DEXTER 7X05: NADANDO EN LAS PROFUNDIDADES

“Dexter” nos está disponiendo en esta temporada un gran flujo de sentimientos que oscilan sobretodo entre Dexter (Michael C.Hall) y Debra Morgan (Jennifer Carpenter), y este capítulo no es una excepción. “Swim Deep” es el nombre de un episodio que sirve para mostrarnos la diferencia que hay entre Debra y Dexter, por mucho que ahora parezca que esta unión sea catastróficamente indisoluble.

SPOILERS 7X05
Y es que después de que la hermanastra no haya vendido a su hermano, pero le haya repudiado internamente, ahora se ha dado un paso más: ya no es que repudie (o se intenta convencer de qué repudia) su comportamiento, sino que no quiere saber nada de su lado oscuro. Todo este capítulo está destinado a que de nuevo, Dexter descubra otra nueva lección por parte de su padre (James Remar), el motivo por el cuál nunca Debra debió saber su secreto: Y es que tal vez podría sobrellevarlo cierto tiempo, pero no forma parte de sí misma, por lo que tarde o temprano tendrá que separarse de todo eso y dejarle por su cuenta. Sin embargo, esto no es tan fácil como parece, ya que después de que LaGuerta (Lauren Vélez) se haya acercado tanto a su condición y el punto de mira de la familia Koshka puesta en los hermanastros, los destinos de Debra y Dexter están más unidos que nunca. Además, en su foro interior, Debra entiende las decisiones de su hermanastro más de lo que quiere aceptar.

En esta entrega se ver por otro lado un tímido intento de ser un poco más coral, algo que no estaba sucediendo en los primeros compases de la “Season 7”, pero al final el porcentaje resultado de esto es un 70% que se invierte en las tramas de Dexter y Debra, y un 30% para el resto del reparto. Como el asunto de los rusos ya casi no es una investigación en marcha, sino una especie de duelo en las sombras que resulta de la vendetta que quiere llevar a cabo Isaak (Ray Stevenson) sobre Dexter, prácticamente los demás agentes ya no tienen cabida. La excepción es Quinn (Desmond Harrington), ya que le están utilizando para jugar a su favor intentando sobornarle. Por otro lado, tenemos a otros dos agentes sospechando de ciertas incongruencias de determinados casos que tarde o temprano les podría llevar hasta Dexter: Como ya se ha dicho, Laguerta poniendo en duda la identidad del Asesino de la Bahía, y a Batista (David Zayas) dudando que el hombre que aparentemente se suicidó fuese el asesino de Viktor.

Por otro lado, encontramos un nuevo fleco de conflicto en el que Dexter ha averiguado que la chica que parecía ser cómplice pasiva del asesino de principio de temporada, ya no es tan pasiva y parece haber descubierto que hay al menos una víctima a sus espaldas. Hannah (Yvonne Strahovski) ha reaccionado de una forma que casi parecía afirmar en su cara que eso había sucedido así, pero que no tenían pruebas para pillarla. ¿Vemos un posible acercamiento cuasi romántico en los dos al sentirse con sentimientos similares o es una sensación mía? ¿Cómo reaccionará Dexter? De momento ya ha ocultado esa sospecha a Debra, mintiéndola de nuevo. En otro orden de cosas: ¿Qué hará Quinn al respecto de ese posible soborno? ¿Batista dejará estar el caso del hombre suicidado tal y como le ha pedido Debra? ¿Seguirá indagando Laguerta en el perfil del Asesino de la Bahía? ¿Cuál será el próximo movimiento de Isaak? Porque lo que es seguro, tal y como dice él en los últimos compases de capítulo, es que esa guerra no ha acabado con su detención.

SKYFALL

La lealtad del mejor agente de los servicios británicos, James Bond (Daniel Craig), hacia su superiora M (Judi Dench) se verá seriamente puesta a prueba cuando el pasado de ella vuelve para atormentarla. El MI6 sufre un ataque, y 007 debe localizar y destruir la amenaza, liderada por el villano Silva (Javier Bardem), y en la que contará con la ayuda de la agente Eve (Naomie Harris).

La película de Sam Mendes es un producto sobrio, narrado desde el conocimiento de la saga de James Bond, que intenta dar una nueva dimensión que nunca había tenido, una introspección más psicológica del personaje, algo que había puesto de moda la saga de Jason Bourne y que parecía que algunos críticos echaban en falta en Bond. Se intenta hacer hincapié en áreas más oscuras de la psique humana, en palabras del director, reintroduciendo al personaje en este viaje personal. Daniel Craig vuelve a estar espléndido desde su gélido rostro para dar vida a nuestro agente secreto, esta vez en un punto al que suelen llegar la mayoría de las sagas de acción: La venganza. Este es el origen de partida que parece resultar del prólogo de la película, donde vemos a un Bond abatido por un propio compañero a órdenes de su superiora, y aparentemente muerto. En este punto, James Bond tiene que recuperar su esencia de espía, y además elegir entre vengarse o reinventarse a su manera para seguir haciendo lo único que sabe hacer. Aquí, esta reinvención que surge al intentar salir de los bajos fondos, viene tratado de un cierto humor que contrapone lo nuevo con la forma de hacer las cosas de siempre. Nos encontramos con una trama muy potente al principio y sobretodo al final, pero con un gran estómago central donde a veces se pierde un poco el interés, sobretodo con la aparición de un malo postizo que lo único que hace es ser el telonero del archienemigo real, el interpretado por Javier Bardem. Sin embargo, esta planitud de las tramas en las películas de acción, a veces es perdonable dependiendo de otros aciertos del film.

Y es que Javier Bardem hace un trabajo realmente bueno, interpretando al villano de esta nueva entrega: Al principio, nos choca mucho ver a la figura española con melena rubia y con un gran cambio físico, pero su interpretación dota por primera vez de sentimientos a un villano de la saga Bond, e incluso en ciertos momentos, me recuerda al Joker de Heath Ledger (en las escenas en que le vemos disfrazado de policía) en su encarnación tan histriónica pero a la vez con matices reales y distintivos. Y es que uno de los puntos fuertes del film son las interpretaciones: A la siempre solvente y esta vez más relevante Judi Dench, se le une el gran Ralph Fiennes encarnando al jefe que sustituirá a esta en la Agencia, y Albert Finney interpretando al particular “Alfred” de Bond en el último tramo de película. Algo en lo que no acierta el film es a la hora de proponer a la femme que acompañará a Bond en su viaje, ya que se queda a mitad tanto en el acercamiento de la chica florero del villano (Bérénice Marlohe), como en la relación de tira y afloja con su compañera de trabajo (Naomie Harris). En el apartado de realización, tenemos grandes escenas espectaculares de acción, que no dejarán indiferente a nadie y harán el deleite de los amantes del cine acción. A nota curiosa, encontramos el tema de la cantante Adele sonorizando los créditos de inicio, que seguro que llamará la atención a conocidos y extraños. Mi puntuación: 6,7 sobre 10.

FRINGE 5X04: EL VALOR DE LOS SACRIFICIOS.

Este cuarto capítulo de la serie producida por J.J. Abrams (que venía después del parón de una semana) nos ha impactado con la fuerza de un tren de mercancías, emocionalmente y en el tratamiento que se le ha dado a ciertos acontecimientos de los personajes. El título que los guionistas le han dado a esta pieza notable es “La bala que salvó el mundo” y no es en vano, porque este capítulo habla de héroes y de sacrificios.

SPOILERS 5X04
La trama nos sitúa de nuevo con el equipo en la posición de reunir las cintas que les ayudarán a encajar las piezas del puzzle que ha creado Walter (John Noble) para salvar al mundo, en ese plan tan abstracto y lejano para el espectador que de momento se debe centrar en cosas más pequeñas e inmediatas. Por ejemplo, los personajes. Algo en lo que se está poniendo todo el peso en esta temporada, pero que en este episodio cobra un papel esencial. Conocemos por fin que, como todo parecía augurar, la bala que llevaba Etta (Georgina Haig) en su colgante es la bala que fue disparada por Walter a la cabeza de Olivia (Anna Torv), y que esta primera rescató de los restos de su hogar: la bala que salvó el mundo. En este episodio, la portadora de la bala será quién tendrá que hacer el sacrificio para que el grupo pueda seguir llevando a cabo su misión. En torno a la importancia de los personajes, vemos reaparecer también a Phillip Broyles (Lance Reddick), y descubrimos que como era de esperar, es él quién ha estado pasándoles información gracias a que Etta le enseñó como ocultar sus pensamientos a los Observadores. Sin duda, será un factor importante a la hora de derrotar a los opresores, y veremos como desarrolla su papel en la sombra: mi teoría es que se sacrificará por el Fringe Team y acabará muerto defendiendo a sus amigos.

En el apartado nostálgico, ha sido una verdadera delicia para los fans volver un poco a la esencia de la serie, recuperando esos "eventos fringe" que fueron la seña de identidad de anteriores temporadas, pero ahora con el añadido de que son ellos quienes provocan uno para poder avanzar en la consecución del plan. La escena en el sótano del laboratorio de Walter, recordando alguno de esos casos ha sido realmente agradable. Este ha sido un capítulo emotivo, pero también con grandes dosis de acción adrenalítica como el inicio de episodio, donde Peter sale despedido por los aires después de una explosión, poniéndose en peligro solo por comprar un colgante para su hija (otra vez el factor emocional); además de la lucha de fin de capítulo en el que se ven obligados a defenderse de los Observadores, y que acaba con resultado mortal para el personaje de Etta. Este es el impactante e inesperado cliffhanger que nos regala el capítulo, y que nos augura un giro bastante importante en cuanto a la trama principal, ya que la misión ahora además tendrá ciertos tintes de venganza, ya veremos en que grado, por parte de Peter (Joshua Jackson) y Olivia. ¿Qué decisiones tomarán a partir de ahora con respecto al asesino de Etta? ¿Serán capaces de mantenerse fríos y racionales? ¿Se pondrá Broyles en el punto de mira de Windmark ahora que sabe que hay gente capaz de ocultar sus pensamientos?

VULNERABLES

Carla, diseñadora de éxito en Madrid, decide tener su primer hijo como madre soltera. Tras un parto prematuro y debido a la delicada salud de su hija recién nacida, se ve obligada a marcharse con ella a un ambiente más limpio, trasladándose a una vieja finca familiar, en un austero ambiente manchego. Una vez allí, tendrá que enfrentarse a sus fantasmas del pasado, e incluso a algo mucho más amenazante e inesperado que la llevará a una situación límite, más allá de lo imaginable…

Este es el argumento de una película de terror algo fallida. En mi opinión, lo más grave es un guion bastante insípido, con diálogos bastante manidos y sacados del guion del común director de cine de terror. Pero además hay errores de novato: en la parte que se desarrolla en la ciudad, las interpretaciones y la forma de grabación recuerda al del típico cortometraje de un joven que se adentra en el mundo de la realización. Esto cambia en el momento en que entramos en el paisaje manchego, donde la narración se reduce básicamente a tres personajes: Carla, Marcial, y el hijo de este. Esto es lo mejor del film, unas interpretaciones muy válidas que intentan sacar algo de partido a un guion bastante vacío y llano, que intenta ir de forma progresiva consiguiendo algunos momentos reales de inquietud gracias a un sorprendente Álvaro Daguerre, el joven debutante de esta producción, que empieza con poco tino (las caras de “oculto algo terrible y tú no deberías haber venido aquí” del principio dan un poco de repelús) pero que poco a poco va cogiendo el pulso a su papel de niño diabólico, incluso provocando verdadero terror en algún momento.

Sin embargo, el cómputo general está bastante vacío de contenido, sustentándose en el ABC de la creación de películas de terror de esta década, que siempre tienen como protagonistas o bien una mansión/casa encantada, o un niño/niña que da bastante mala espina. No hay nada esencialmente original en esta historia. Intenté vislumbrar ciertas dosis de esta novedad en el espejo que podía suponer para la protagonista, que acaba de ser madre, el conocer a la pareja compuesta por los personajes interpretados por Joaquín Perles y Álvaro Daguerre, sembrando de miedos su personalidad al dudar de su capacidad para criar a su hija. Sin embargo, los tiros en ningún momento van para ahí, y se entra en un contexto psicológico en el que se nos muestra de forma poco interesante el extraño comportamiento del crío, ya que el trastorno bipolar no es algo que nos pille de sorpresa en los tiempos que corren. Cuando este conflicto se torna en una trama más cercana a lo sobrenatural, sí tenemos ciertos momentos de puro terror, pero la poca lógica de desaprovechar algo más real hace que la película oscile en aguas desconocidas. A esto hay que añadirle el excesivo subrayado de los momentos de tensión y dramáticos a través de la música, que son tremendamente efectistas y ayudan una vez más a dejar esta sensación de cortometraje de novato. Mi puntuación: 4 sobre 10. “Vulnerables” se estrena este 31 de octubre.

SINISTER

Un periodista viaja con su familia a lo largo y ancho del país para investigar terribles asesinatos que luego convierte en libros. Cuando llega a una casa donde ha tenido lugar el asesinato de una familia, encuentra una cinta que desvela horribles pistas que van más allá del esclarecimiento de la tragedia.

Otra cinta mediocre de terror sobre casas encantadas y especies de niños diabólicos vuelve a inundar nuestras pantallas, primero las americanas y más tarde las nuestras. La cinta vuelve a situar a una familia, encabezada por un hombre que se dedica a escribir libros sobre crímenes sin resolver, en una gran mansión dónde se han cometido varios asesinatos. Como en las de su género, los acontecimientos se van desenvolviendo poco a poco, haciendo que el que no creía (o los que no creían) comiencen a hacerlo y empiecen a dudar de sí mismos y de su entorno. Aquí lo que nos encontramos son una especie de fantasmas, de huellas del pasado de la gente que murió y que está investigando. Tampoco faltan los golpes de sonido y los movimientos bruscos de cámara, provocando de vez en cuando algún susto que tampoco tiene un mérito extraordinario: todos los que se dedican al género del terror saben sumar dos más dos, lo difícil es hacer una raíz cuadrada. La película se hace algo larga, y el jugueteo que se trae entre una explicación racional a todos los sucesos y una explicación dentro del terror de ciencia ficción no acaba de dar con la clave adecuada. Por otro lado, cierta esencia de inquietud a base de mostrar las películas de Super-8 con las que el escritor se obsesiona es la baza mejor jugada del film, a base de sugerir sin mostrar lo obvio. Además, si hubieran potenciado más el factor del asesino en serie que ejerce un ritual, tal vez habría sido más real y terrorífica.

La cinta está protagonizada por Ethan Hawke, que interpreta muy notablemente su papel en contra de lo que prejuiciosamente me esperaba, dando vida a un hombre obsesionado por volver a conseguir el éxito que tuvo hace diez años con su último pelotazo editorial, sacrificando hasta límites insospechados la salud de su familia y su propia cordura. Esta suele ser otra de las rémoras de este tipo de cintas de terror: en la vida real, al segundo aviso, una persona normal ya habría abandonado la casa que habita, pero aquí los protagonistas siempre suelen buscarse excusas bastante inverosímiles para quedarse, por lo cual la suspensión de incredulidad que tiene que hacer el espectador es siempre mayor. Cierran un reparto bastante reducido: Vincent D`Onofrio encarnando a un asesor esotérico que encaminará al personaje de Hawke hacia las claves para desentrañar el misterio, James Ransone como el oficial que echará un cable al periodista, Juliet Rylance como la esposa, Fred Dalton Thompson como el sheriff del pueblo, y Clare Foley como la niña pequeña de la familia. Mi puntuación: 5 sobre 10. “Sinister” se estrena el 31 de Octubre en España.

PRIMERAS IMPRESIONES DE "REVOLUTION"

“Revolution” parece ser el gran éxito del inicio de temporada de la NBC en la parrilla estadounidense. Y es que sus virtudes, que no son pocas, han hecho de esta una producción a la que cualquier espectador que se haya acercado, le suscite interés por ver qué nuevas aventuras deparan a sus protagonistas. Tras un aceptable piloto, nos asaltaba la duda que habían tenido todas las series que parecían haber adoptado el “San Benito” de hijas de “Lost” y que no es otro que el que poco a poco la serie se fuera desinflando, sin embargo, los guionistas han sabido continuar un decente inicio y dejarnos con un buen sabor de boca en cada episodio emitido hasta el momento.

SPOILERS 1X01-1X05
Una de las piezas clave del éxito es la creación de un nuevo orden natural de las cosas, un giro de tuerca a la tan de moda ambientación postapocalíptica de estos últimos años: en este caso, nos encontramos veinte años después a que toda electricidad mundial hubiera dejado de funcionar. El ir redescubriendo como el mundo (o como los guionistas creen que) se ha adaptado a este nuevo cambio, es sin duda un elemento sugerente con el que bañar las tramas. Por otro lado tenemos un relato clásico: la tarea del héroe, dispuesto en manos de los personajes de Charlie (la desconocida Tracy Spiridakos) y Miles (el más conocido Billy Burke), que comienza con el MacGuffin de salvar al hermano de esta primera de la milicia, pero que pronto irá derivando a algo mucho mayor relacionado con el apagón eléctrico. Aquí aparece el deseo, la trama de amor que se interpondrá en la misión del héroe: y es que el partnaire amoroso de Charlie es sin duda el apuesto Nate (JD Pardo), un joven de la milicia y para colmo hijo de uno de los mandos más despiadados de esta, pero que está muy mal definido ya que a veces parece que es más leal a Charlie y sus aliados que a su propio padre.

Esta serie tiene muchos elementos típicos de las producciones de JJ Abrams. Por un lado esa especie de idea de jugar a ser Dios, que aquí se cosifica en que cuatro personajes protagonistas parecen estar relacionados con el apagón: por un lado tenemos al asesinado padre de la protagonista (Tim Guinee), a su hermano Miles, a la mujer de este primero (Elizabeth Mitchell) y al amigo de este segundo llamado Monroe (David Lyons) que ahora es el jefe de la milicia. Se establece una relación entre Miles y Monroe muy parecida a la que tenemos entre Walter Bishop y William Bell en “Fringe”: dos personas que se encontraron con una posibilidad de jugar a ser Dios, y cuya idea surgió del primero pero la abandonó al asustarse de su propio comportamiento, y su posición la ocupó este segundo haciéndose todavía más terrible y llevando las consecuencias más al extremo. En este aspecto, Miles me recuerda también al personaje de Roberto/Burbuja en “El Barco”, un elemento muy misterioso que parece involucrado con la trama de intriga, y que salió del proyecto por miedo a la persona en la que se estaba convirtiendo. El elemento definitivo para que esta serie tenga tirón y cierta esencia adictiva es el buen uso que están haciendo de los cliffhangers (casi todos relacionados con ciertos artefactos capaces de volver a generar energía), disponiéndolos de forma elegante y con buen tino.

El alivio cómico, como lo puede ser Hurley en “Lost” o Fusco en “Person of Interest”, corre a cargo de Aaron (Zak Orth), un desengrasante muy típico también de las series del productor, pero que en este caso queda bastante debilitado y no sería de extrañar que fuera el próximo personaje en morir. El último elemento en discordia era Maggie (Anna Lise Phillips), la suerte de madrastra de Charlie que no me cuadraba mucho en este orden de personajes y que por suerte se la ha dado ya un final, ya que su interpretación a mi entender dejaba mucho que desear. Para terminar el cuadro de relaciones, tenemos también algo muy típico en las series de Abrams, una estructura de capas en torno a los denominados enemigos: en este caso, tenemos a Monroe como el general de la milicia y a la postre ex mejor amigo de Miles, pero por debajo tenemos a una especie de general brutal y a la vez cultivado (encarnado por el Giancarlo Expósito, el Gustavo Fring de “Breaking Bad”). En este aspecto, y para concluir el análisis, encontramos los flashbacks que van bañando los capítulos de vez en cuando, y que nos hacen entender las motivaciones de los personajes, su adaptación al nuevo orden mundial, y que nos muestran quienes eran y a que se dedicaban antes del apagón, muy al estilo “Perdidos”. “Revolution” mezcla aventuras, drama y misterio, con ciertos personajes que ya han dado muestra de su potencial, y con capítulos dirigidos por Jon Favreu (director de la saga “Iron Man”): ¿Te la vas a perder?

EL LADRÓN DE PALABRAS

Un escritor de éxito lee su nueva novela ante una multitud de entregados admiradores. En ella se narra la historia de un escritor fracasado que tiene la fortuna de encontrar un manuscrito. Lo publica como suyo y obtiene un éxito espectacular que lo convierte en uno de los mejores escritores de su tiempo. El autor del manuscrito resulta ser un anciano que lo escribió durante su juventud, cuando estuvo destinado en París tras la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), época en la que encontró al amor de su vida.

“El ladrón de palabras” es más obvia de lo que debería ser. Con un punto de partida que sugiere sentimientos y emociones tan fuertes en los seres humanos, que pudieran haber calado hondo en la gente que alguna vez se ha dedicado a escribir y que sabe de los sinsabores de la profesión y de la dificultad de triunfar en este mundo, el director y el equipo artístico se han encargado de convertirlo en algo bastante vacío, que se limita a contar la historia que encontramos en la sinopsis pero sin dotarla de alma. La película no conecta con el público, no conecta con sus personajes. Una de las razones a mi entender es la poca química existente entre la pareja protagonista que forman Bradley Cooper y Zoe Saldana, por no mencionar el hecho de que el protagonista de las dos entregas de “Resacón en las Vegas” no resulta creíble y echa por tierra en cierta medida aspectos positivos del trabajo de guion. Dennis Quaid y Olivia Wilde, que dan vida a otra de las parejas del film, que en una estructura de naipes estarían en la planta de arriba, son mucho más creíbles y aportan mucha más intensidad interpretativa. Porque esta película es una historia dentro de una historia, y además, una historia que cuenta esa historia dentro de esa historia. Esta estructura de cebolla podría haber dado mucho más juego y haber sido más intuitiva, más artística, pero de nuevo se hace muy obvia.

No todo en la película es plano, como ya hemos contado al mencionar la aportación correcta que hacen al film Olivia Wilde y Dennis Quaid en las breves escenas que comparten, así como sucede con la aparición del personaje de Jeremy Irons, que se nos revela como el más real y con el que más empatizamos. También encontramos como punto positivo una fotografía notable, plasmada con sencillez en las calles de New York. Cierran el reparto los actores Ben Barnes y Nora Arnezeder, dando vida a la pareja enamorada en París en la Segunda Guerra Mundial, que correspondería a los personajes de la última capa de la cebolla. Por otro lado, también hay en buenos diálogos y que hacen pensar e incluso reflexionar, pero son como pequeñas pinceladas dentro de un libro que está mal contado. El argumento de la trama sugiere mucho teóricamente, pero no alcanza ni la mitad del potencial que parecía tener, en parte por la ya mencionada inoperancia interpretativa de alguno de los protagonistas. Sin embargo, tampoco puede desdeñarse el poder de evocación que puede suscitar en el respetable, aunque lamentablemente casi con toda probabilidad solo se ejercitará en personas que hayan vivido en primera persona la esencia del mundo literario. Mi puntuación: 5,5 sobre 10. “El ladrón de palabras” se estrenará en los cines de España el 31 de Octubre.

DEXTER 7X04: VUELTA AL CURRO

“Dexter” sigue después de cuatro capítulos de su séptima temporada en la ardua tarea de redefinir los conceptos de la relación que hasta ahora mantenían los personajes de Dexter y Debra. Y es que hasta ahora esa es la madre de todas las tramas en esta nueva temporada, y no hay señales de que esto pueda cambiar ni un ápice. Y es que los demás personajes y las demás tramas están en un segundo, pero que muy segundo, plano.

SPOILERS 7X04
En este capítulo se han adentrado en un asunto de la relación entre los hermanastros que venía demandando desde que comenzara la temporada: La paternidad y la educación de Harrison. No hubiera sido lógico dejar este tema a un lado como si no existiera. En este aspecto, era claro que Debra (Jennifer Carpenter) tuviera que sentir que su recién redefinido hermano no fuera la persona ideal para tal empresa, y que esas mismas dudas se las transmitiera al mismo Dexter (Michael C.Hall) para hacerle recapacitar. Aun así, sigo sintiendo que la reacción de Debra es demasiado naif para toda la información que está procesando últimamente. Me cuesta no imaginar que los plomos del cerebro de la teniente no se funden por completo y echa a correr lo más lejos posible de todo lo que la rodea; sin embargo, esto no se lo pueden permitir los guionistas ni los creadores de la serie. Parece que están tergiversando un poco la personalidad de esta para adaptarlo a lo que necesitan narrar. Por ello, corramos un tupido velo y aceptemos que Debra está transigiendo en la medida de lo posible ante el comportamiento de Dexter, que están tratando por todos los medios de que ella comprenda (una víctima que se podía haber evitado, comportamientos cada vez más extremos de los asesinos que quedan sueltos por incompetencia policial…). Este ha sido por otro lado el capítulo en el que Dexter vuelve a matar, teniendo Debra constancia de ello y dando otro paso más en su particular guía de comprensión cuando ella misma acepta que se alegra ante aquella muerte aunque no sabe como tomarse aquello.

Ya saliéndonos de la pareja protagonista, encontramos que la trama de la mafia del este tiene cada vez menos interés e incluso ya se nos antoja banal la posible relación que pueda surgir entre una de las bailarinas del local y el detective Quinn (Desmond Harrington). Laguerta (Lauren Vélez), Batista (David Zayas) y Masuka (C.S.Lee) son últimamente testimoniales, y solo sirven para efectuar los procedimientos de las investigaciones, nada más. Lo que hecho en falta de estos últimos compases de la ficción es que se han afianzado tanto en mostrar los cambios en la relación de los hermanos, que todo lo demás se ha descuidado, y se han asentado en un tranquilidad en la que ya no se está haciendo el intento de mostrar giros de guion sino ya inesperados, al menos sugerentes. Lo que sí me suscita un mínimo de interés es el papel que va a tomar la mujer que fue cómplice en los asesinatos del psicópata que se suicidó hace unos episodios, ya que está empezando a tener cierta vinculación con Dexter y probablemente haga de espejo de Debra para este primero, haciéndole que vea en lo que está tratando de convertir a su hermanastra. Por último, desde que Debra está intentado cambiar el modo de actuar y de pensar de nuestro asesino favorito, estoy echando de menos una confrontación con su imaginario padre, poniendo sobre la mesa todos los códigos que tantas mutaciones están sufriendo. ¿Irán por ahí los tiros de las próximas entregas?

INICIO DE LA 6ª TEMPORADA DE "LA QUE SE AVECINA"

El fenómeno “La que se avecina” ha vuelto a nuestras pantallas desde hace ya unas tres semanas. Francamente, tenía mucha curiosidad por la audiencia que tendría en esta vuelta en su sexta temporada después de la promoción que se había hecho de ella en el canal TDT durante todo el verano, y la legión de fans que parecía haberse estado levantando respecto a ella. Pese a rozar casi un 30% de share en su estreno, la audiencia se está estabilizando en torno a un muy notable 23%.

SPOILERS 6X01-6X03
Ya metiéndonos en harina, parece cada vez más claro que las grandes tramas de largo recorrido se cimentan en tres pilares: la relación a tres bandas entre Judith (Cristina Castaño), Enrique (José Luis Gil) y Araceli (Isabel Ordaz), que presumiblemente ha vuelto a cambiar de acera, y sino al tiempo; el trío que también forman Raquel (Vanessa Romero), Lola (Macarena Gómez) y Javi (Antonio Pagudo), con estos dos últimos intentando reconciliarse; y por último los recién casados Maite (Eva Isanta)  y Amador (Pablo Chiapella), pareja que los guionistas han sido lo suficientemente inteligentes para mantenerlos juntos pero de una forma que generan los mismos conflictos que si estuvieran separados. En este sentido, la trama que me parece que puede dar mucho juego esta temporada es sin duda la estrategia perpetrada por Enrique en la que él se convierte en presidente en la sombra mientras Araceli es su presidenta de paja. Las tramas se han vuelto todavía más (si eso era posible) surrealistas y disparatadas, y algunos de sus personajes ya rozan las parodias de comic. Es aceptable y sano crear un prototipo de hombre machista, misógino y homófobo, como lo ha sido la figura de Antonio Recio (Jordi Sánchez), pero las decisiones y los comportamientos desde hace un par de temporadas, y que va en aumento, son de auténtico sociópata. No hablamos de un psicópata al estilo Dexter, pero sí de una persona que no siente empatía por el resto de sus congéneres, y que es capaz de provocar una deflagración en la casa de una anciana solo por llevar la contraria a la presidenta. Veremos como reacciona sí la audiencia sigue reaccionando positivamente ante esta situación.

Por otro lado seguimos teniendo la ración de secundarios que casi siempre sirven de acompañamiento y que casi nunca tienen trama propia, pero que sorprendentemente muchas veces nos regalan algunas de las mejores frases, ya que no están tan explotados. Estos pueden ser Nines (Cristina Medina), Leo (Luis Miguel Seguí), Vicente (Ricardo Arroyo), Fran (Eduardo García) o Maxi (Eduardo Gómez). Por lo que parece, las apariciones de Izaskun serán cada vez más reducidas hasta que acabe desapareciendo (como se ha anunciado ya), pero en estos tres episodios se la ha sacado bastante partido, aunque de una forma muy encasillada (ya se parece a la Concha de “Aquí no hay quien viva” con su “Váyase, señor Cuesta”). El que tampoco ha tenido mucha participación en estos episodios ha sido Coque (Nacho Guerreros), pero parece claro que en algún momento se le encontrará una trama propia con la que hacer brillar este personaje que permite tantas extravagancias. El que parece ya prácticamente desaparecido es Parrales (Carlos Alcalde), que sí ha tenido una aparición anecdótica en el capítulo segundo, pero no parece ya dar más de sí con la vuelta familiar de Antonio y Berta: El personaje, que es prácticamente un calco del Machupichu de “Aída” no ha encontrado su punto diferenciador en la serie.

A nivel de espíritu personajes y como leitmotiv de la serie nos encontramos con esa dicotomía tantas veces anunciada: ¿Leones o huevones? Claramente todos los personajes son huevones, fracasados. Pero ya no solo los machos, como era costumbre, sino que el universo femenino tan bien ha entrado a formar cada vez más parte en esta espiral: Maite en la cárcel, Judith frustrada por su matrimonio y por la pérdida de su juventud, Raquel insegura por su poco éxito con los hombres… “La que se avecina” ha conseguido que sus personajes sean estereotipos, tal como sucede en los “Simpson”, por lo que tiene la ventaja de que lo que manejan son iconos, y los diálogos pueden ser así más disparatados y artificiales, pero por otro lado se corre el riesgo de convertirse en un sinsentido de frases hechas que olvidan por completo lo que es una trama real. Por tanto, ¿qué os están pareciendo las nuevas trampas de nuestros vecinos de “La que se avecina”?

PRIMERAS IMPRESIONES DE LA 2ª TEMP DE "PERSON OF INTEREST"

SPOILER 2X01-2X03
Definitivamente, y por si teníamos alguna duda desde la primera temporada, “Person of Interest” se suma a la senda de series procedimentales que tienen como proceder regular el mostrarnos un caso policial autoconclusivo cada capítulo (con la salvedad en este lugar de que aquí se trata de atrapar al agresor antes del crimen y no después), y luego tenemos una línea argumental horizontal que suele tener un archienemigo y que suele estar presente en unas cuatro o cinco entregas de cada temporada. En estos términos, parece que el foco del antagonista cambiará de Elias (Enrico Colantoni) a Root (Amy Acker), por lo menos en estos primeros compases, aunque no descarto la aparición esporádica de este primero. Después de los dos primeros episodios apasionantes en el que hemos salido un poco de la tónica general de la serie, ahora probablemente se volverá procedimental como en esencia lo ha sido, teniendo eso sí la trama horizontal de la sección del gobierno que controla la máquina siempre presente. En este punto, aparece un nuevo malo por encima de Root (un elemento muy típico también de las producciones de JJ Abrams), o sino al menos complementario, que parece avecinar la intervención de Cara en el cliffhanger de este tercer capítulo, y que todavía no sabemos muy bien que papel tomará en todo esto.

Sí parece haber cierto compromiso de que esta trama horizontal de intriga bañe al menos en pequeñas dosis todos los capítulos, cosa que no pasaba en la primera temporada, y ahora más que nunca ya que tenemos muchos frentes abiertos gracias a personajes como Alicia Corwin (Elizabeth Marvel), el agente Snow (Michael Kelly), la ya citada Cara (Annie Parisse) y sobretodo Root. El cambio que a mi parecer es radical en el universo de la serie es el redescubrimiento en lo que realmente es la máquina: ya no se nos presenta como algo artificial y matemático, sino que ahora parecen hacernos creer que es un mecanismo más orgánico y con más inteligencia de la que creíamos. En este contexto, las facciones que quieren apoderarse de la máquina y los objetivos que buscan con ello, formarán el argumento central de la serie, siendo Harold y John los estandartes que tratarán de protegerla de la humanidad e incluso de sí mismos. Eso es sin duda el punto diferencia de la serie, que hace que no sea una mera serie procedimental más, dando un paso más a series como pueden ser por ejemplo “El mentalista” o “Castle”.

La química que atesoran John Reese y Harold Finch, o lo que es lo mismo, Jim Caviziel y Michael Emerson me parece también uno de los puntales de la serie, creando una especie de pareja imposible. A estos hay que añadirles, gracias a la revelación en el fin de temporada anterior de que estaban trabajando para la misma persona, la pareja que forman ahora Fusco (Kevin Chapman) y Carter (Taraji P.Henson): Se ha formado una especie de doble alianza en la que los términos de amistad y confianza se están redefiniendo continuamente y además con ciertos guiños cómicos. Fusco hace ahora un poco de alivio cómico, a veces en solitario y a veces en su relación con John. En resumen, tenemos ahora una particular familia policial donde uno hace los trabajos sucios (Fusco), otra es la primera mano de las órdenes dentro e lo legal (Carter), otro ejerce de Millonario Hombre tras la Cortina (Finch) y otro es el hombre de acción que actúa sobre el campo (John Reese). ¿A qué nuevos casos se tendrá que enfrentar la extraña unidad de “Person of Interest”? Veremos que se les sigue ocurriendo a los guionistas.

ADAM RESUCITADO

Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Adam, un artista de circo, está prisionero en un campo de concentración, pero logra salvar la vida gracias a un acuerdo con los nazis: su papel consiste en entretener a los judíos antes de que entren en las cámaras de gas. Sin embargo, los términos de este peculiar contrato, se reformularán cuando conozca a un general nazi que le impone una labor todavía más extraña.

La Segunda Guerra Mundial y el nazismo, es para EEUU como para nosotros la Guerra Civil. Estamos ya cansados de ver contar la misma historia una y otra vez, y a veces eso puede suponer una rémora para la película, pero siempre surgen excepciones como este caso que saben buscar una historia detrás tan potente que hace que nos olvidemos de una ambientación histórica tan manida. La trama que nos presenta el director Paul Schrader es una historia dura, desencarnada, difícil de ver y de asimilar. Con momentos de extrañeza, de dolor interno tanto para el protagonista como para el espectador. Ya hemos visto todos los horrores de la guerra habidos y por haber, todo el sufrimiento causado por los opresores a los oprimidos… pero aquí tenemos un nuevo horror original y crudo personalizado en nuestro protagonista, encarnado por el mítico Jeff Goldblum. Probablemente Goldblum, sin ser un gran entendido de su trayectoria, haya hecho la interpretación de su carrera, o por lo menos una de las mejores. En la piel de la otra cara de la moneda, la de la brutalidad, tenemos a Willem Dafoe que siempre es un seguro, y el papel de oficial nazi le viene al pelo.

El reparto lo cierran nombres entre los que se encuentran Ayelet Zurer, Derek Jacobi, o Vasile Albinet. La película está dispuesta en un toma y daca de montaje, como la pelota de un partido de tenis que nos lleva desde la actualidad que cuenta la película donde Adam está nuevamente internado en una institución psiquiátrica, para pasar al pasado intermitentemente, donde se nos muestra con cuenta gotas todos los motivos y el sufrimiento que le ha llevado a ser como es. La peculiar relación que se establece entre Adam y el niño que descubre encerrado en la institución mental es increíblemente desgarradora, animal y simbiótica a la vez de que disruptiva. Se curan destruyéndose mutuamente, destruyendo sus debilidades y sus traumas. Es una historia de lo difícil que es olvidar, de lo necesario y a la vez imposible. A pesar de contar la historia tantas veces contada (para más ejemplo la relación al principio entre Adam y el oficial nazi recuerda exactamente a la que tiene el personaje de Roberto Benigni en “La vida es bella”), es lo suficientemente inteligente y distinta como para merecer un visionado por parte del espectador. Mi puntuación: 6,5 sobre 10. “Adam resucitado” se estrena hoy en las pantallas españolas.

DEXTER 7X03: AMÍGDALAS DE LAGARTO

SPOILERS 7X03
“Dexter” sigue con pasos de plomo en la construcción de una nueva realidad para la relación de sus dos protagonistas. Dándose cuenta de que el giro que dieron en la anterior temporada en la que sembraron un posible acercamiento romántico entre Deb (Jennifer Carpenter) y Dexter (Michael C.Hall) era erróneo, ahora se han olvidado completamente del asunto y se han centrado en redefinir una relación dinamitada por el atroz descubrimiento. Por un lado, he de decir que todavía me cuesta ver a Deb de niñera, comportándose prácticamente de forma natural con respecto a él. A mi entender, hubiera sido deseable (e incluso necesario) un salto temporal en el que después del capítulo primero de esta temporada, Deb hubiera obligado a Dexter a huir, para al menos, procesar y asentar sus sentimientos sobre él. Las conversaciones sobre su condición o sobre como funciona el código que le enseñó su padre, no me valen por sí solas. La transición ha sido demasiado rápido, y eso crea una sensación de extrañeza en el espectador.

Así pues, se ha entrado de lleno en el juego del gato y el ratón. Es la temporada, vuelvo a reiterar, del redescubrimiento de Dexer por parte de su hermanastra Debra, o lo que es lo mismo: “Como entender a un asesino en serie en trece sencillos pasos, cuando has convivido con él toda tu vida”. Laguerta ya ha dado un pasito en este capítulo, haciendo de icono del sistema policial, y propiciando que Debra esté empezando a entender un poco los razonamientos de su hermanastro. La ley tiene que pedir órdenes de registro, los asesinos y los delincuentes no. Sin embargo, esto no puede ser tan sencillo, y la tensión a la que se está viendo sometida Debra tendrá que explotar por algún lado. Por otra parte, las ansias de matar de nuestro asesino permanecen intactas, por lo que el conflicto está servido. En este discurso aparece Harrison, que siendo un punto tan difícil de abordar por parte de los guionistas, de momento han tomado el camino más fácil, sin que este haya aparecido prácticamente en los tres episodios que llevan emitidos.

El capítulo en sí, ha supuesto el final de la trama de Louis (Josh Cooke), que al final no era un asesino psicópata sino solo un friki sociópata, que sin duda podría haber dado más juego y haber estirado más su personaje, ya que este tipo de individuos a veces son más peligrosos incluso que los asesinos en sí. Su final, ha servido para poner sobre la pista de Dexter Morgan los mafiosos de la trama policial de la temporada. Por ello, tenemos cada vez a un Dexter más cercado, ya que a la presión de Debra y la investigación de Laguerta (Lauren Vélez), ahora se le unen unos capos que están a punto de descubrir que fue él quien se encargó de su socio. Sin embargo, esto repercute solamente en el personaje protagónico, ya que la trama como tal resulta bastante aburrida. Este capítulo, en este humor negro que se alimenta capítulo a capítulo, hemos tenido imágenes geniales como las de un Dexter venerando a un muerto (realmente disimulando), ya que todo espectador conocemos que nuestro protagonista es prácticamente incapaz de sentir empatía por ningún ser humano. La pregunta más acuciante que nos dispara este episodio es: ¿Cuál es el siguiente paso del proceso de Debra por entender a su hermanastro?

LOOPER

Como en 2072 los asesinatos están terminantemente prohibidos, las víctimas son enviadas a través de una máquina del tiempo al pasado (2042), donde los Loopers, un grupo de asesinos a sueldo, se encargan de eliminarlas y deshacerse rápidamente de sus cuerpos. El problema surge cuando Joe (Gordon-Levitt), uno de los Loopers, recibe desde el futuro un encargo muy especial: eliminarse a sí mismo (Bruce Willis).

“Looper” es un excelente thriller futurista que mezcla una trama ambientada en un futuro medianamente cercano, con el elemento de viajes en el tiempo que tan sugestivo es siempre que se sabe utilizar con corrección. Y en este caso, el ejercicio es positivo, ya que el guion es perfectamente sólido para que estos juegos temporales no se carguen una trama elegantemente urdida donde el juego de montaje juega un papel esencial.  Por mucho que el nombre de Bruce Willis aparezca por delante en los créditos, el auténtico protagonista de la cinta es el actor Joseph Gordon-Levitt, que como peculiaridad, viene dotado de una extraña caracterización, como si estuviera demasiado maquillado o dibujado en la pantalla con carboncillo suave, aunque quizás sea solamente una apreciación mía. Su interpretación por otro lado es correcta aunque no excepcional, como acostumbra últimamente, quizás también por ese extrañamiento que observo al fijarme en su rostro. Su partenaire en la pantalla, que no es ni más ni menos que su yo del futuro, es Bruce Willis, realizando uno de los últimos papeles de un actor que todavía tiene mucho que decir sí sigue escogiendo cintas de este calibre y no se deja engatusar por producciones sin sentido.

El reparto no está exento de figuras: Al mencionado actor de las entregas de “Die Hard” se le une como villano Jeff Bridges, siempre inconmensurable. En el papel de la chica que siempre debe acompañar al héroe en su aventura tenemos de forma coyuntural a Piper Perabo, aunque la verdadera heroína del relato se nos revela finalmente en la actriz Emily Blunt, que establecerá una extraña relación a tres entre su hijo y el personaje de Gordon-Levitt. En un papel breve pero crucial para detonar el conflicto, encontramos a la nueva estrella adolescente Paul Dano, que se aleja de ese prototipo de galán y está encarnando algunos de los papeles más interesantes del Hollywood actual. La película tiene ciertos momentos de comedia, que a veces están buscados (gracias a diálogos ágiles y el buen hacer de su guionista), pero otras veces el gesto es involuntario, como cuando vemos la transformación de Joseph Gordon-Levitt en Bruce Willis viendo a este segundo con una media melena que resulta irrisoria. Parece incluso que hay cierta parodia del mismo Bruce Willis haciendo de Bruce Willis, con algunos planos macarras en los que Willis sonríe con complacencia después de cargarse a siete u ocho adversarios. Sin embargo, ciertamente esto está buscado, ya que conociendo al director, que ya parodió el género policiaco fundiéndole con el mundo universitario en “Brick”, podemos dar cuenta del peculiar sentido del humor del director. Por tanto, una de las producciones de obligado visionado para este año. Mi puntuación: 8 sobre 10. “Looper” se estrena este viernes 19 de Octubre en las salas españolas.

"ON LINE": ENTREVISTA A JAVIER RÍOS

Esta semana nos hemos encontrado con una web serie del director Israel González, que ya ha subido su primer capítulo a la web. “On line” narra la historia de un amor sin fronteras a través de un formato novedoso, ya que todas las secuencias grabadas están rodadas en formato móvil y gracias a la colaboración de amigos y gente que le apetece interactuar. A raíz de esto, entrevistamos a Javier Ríos, el protagonista de la ficción, conocido por otros papeles en series como “Mis adorables vecinos”, “El Internado” o la más reciente “Imperium”.

La serie “Imperium” acabó su primera temporada el pasado jueves. ¿Qué esperanzas tenéis de que haya una segunda temporada? ¿Y de qué tu personaje pueda reaparecer en esa hipotética continuación?
Está ya confirmado que no habrá segunda temporada. Desde el capítulo segundo, en el que se enfrentó a “Imperium” con un especial de Encarna Sánchez y no hicimos un buen dato, ya se nos dijo que era inviable una segunda temporada. Se había hablado de que Tito seguiría vivo en una posible continuación, ya que ese final de temporada era una forma de potenciar la historia de amor entre él y Cora, para que tuviera un vínculo mucho más fuerte.
“Imperium” no ha conseguido las audiencias que se esperaban en un principio, ¿crees que se ha podido deber a que provenía de otra serie?
Probablemente sí, seguramente haya afectado. Si “Hispania” venía temblando, esto ha sido un poco la puntilla. Es una pena, porque tú ves un proyecto tan ambicioso y tan potente, y que de repente no logra ser ni líder de audiencia del día. A veces es frustrante… por ejemplo, según mi criterio, los diez o quince guiones que he leído que más me han gustado, al final no se han hecho.
¿Qué ha supuesto para ti rodar en los míticos estudios Cinecittá?
Realmente me sorprendió que estuvieran bastante abandonados. Fue un momento histórico para mí, porque de repente veías todavía los decorados de “Gangs of New York”, pero estaba todo desalojado, sin cuidar, la hierba sin cortar… Eso un poco una metáfora de lo complicado que está la industria. Para que veas, lo único que se estaba haciendo en ese momento en Cinecittá era “Hombres, mujeres y viceversa”, versión italiana: Eso es lo que se está haciendo en el plató de Fellini. Al margen de eso, es algo brutal.
¿Qué rigor histórico tenía tu personaje, Tito?
Tanto Tito como la mayoría de personajes de “Imperium” eran mezcla de personajes reales históricos, pero en general estaban todos bastante ficcionados.
¿Qué género te queda por probar y te gustaría intentarlo?
Yo creo que repetir todos otra vez y mejor. (Risas) Por suerte he podido tocar yo creo entre cortos, televisión, cine y demás, todos los géneros… Bueno, el gore creo que no (Risas).
Diste vida a dos personajes gemelos en "El Internado", ¿qué decisiones tomaste a la hora de interpretarlos?
La verdad es que no fue muy complicado, porque Daniel salía poco, ya que rápidamente el gemelo malo se le cargaba. Como la vida misma, vamos… (Risas) No… era más en plan, ¿ahora es bueno o es malo? Ah, es malo. Pues pongo cara de malo… cara de león, cara de limón (Risas)… como Matt Damon y Ben Affleck en “Dogma”… No, realmente no se preparan mucho en ese aspecto las cosas en televisión. Lo que sí que tuve que prepararme fueron las luchas de kárate, porque no tenía ni idea cuando me dieron el papel.
Hasta la fecha, ¿cuál ha sido para ti el reto más grande al que te has enfrentado como actor?
No sé, varios. Probablemente mi personaje en “Escuchando a Gabriel”. Fue complicado por similitudes personales.
A parte de la web serie, ¿tienes algún proyecto sobre el que se pueda hablar para el futuro próximo?
Pues la verdad es que después del palo de “Imperium” está la cosa un poco gris. Sí que hay un proyecto de una tele-movie sobre la vida de Quini, el jugador del Sporting, pero está todo muy en el aire. No te puedo decir más ahora mismo.

En este punto de la entrevista, Israel González (director de “On line”) se une a la conversación. 
Como tu personaje en la web serie, ¿serías capaz de buscar al amor de tu vida en cualquier parte del mundo?
J: Me dan miedo los aviones, pero si es el amor de mi vida, claro.
Ésta es la frase de tu personaje en el inicio de tu nueva web serie “On Line”… Háblanos de él.
J: El Jose es un tío de la calle que tiene un corazón que no le cabe en el pecho y es muy simpático, muy amigo de sus colegas… Viene de otra serie anterior que hice con Israel, “Terapia”, que tenía dos personajes que son el Jose y la Jenny, que eran pareja. Aquí veremos de nuevo al Jose, pero en determinados estados.
¿Durante cuánto tiempo  vas a estar buscándola?
I: Hasta el capítulo diez no sabemos lo que va a pasar, y en el nueve o el diez se resolverá.
J: Yo espero que haya una escena de sexo final o algo.
I: El tema es que como vamos grabando improvisadamente, sin guion… yo le llamo, grabamos unas tomas y ya está. Yo tengo una línea argumental por donde va todo, pero es muy sencillo: “Chico se enamora de chica, la chica desaparece y el chico le busca”.
¿Cuántos lleváis grabados?
I: Hay hasta ahora cinco capítulos, lo que pasa es que quería grabarlos todos pero quiero esperar para que la gente de fuera, de cualquier sitio pueda jugar en la serie.
J: Tenemos espías por todas las esquinas del mundo y eso es lo que le va a dar potencia a la serie, pero eso a saber dónde te lleva. También depende de lo que improvise cada uno por ahí. ¿Qué le vas a decir a uno que está en San Petersburgo? “Oye tío, graba lo que quieras, mándanoslo y ya veremos cómo encaja”.
I: A raíz de esas grabaciones, después les doy un orden y con otros dos actores (los detectives), improvisamos.
Las localizaciones son reales…
I: Todas las grabaciones son de gente que están dónde dicen estar: en Hollywood, en Malasia, en Nueva York… están por todos sitios.
J: Es el lado bueno de la globalización.
¿Y tu personaje no se mueve de España? Aunque no sea en avión…
J: No lo sé. Si me pagan el viaje… La idea de la serie era para luego hacernos una gira mundial (Risas).
I: Claro. Él empieza desde el kilómetro 0, en la puerta del Sol, y ahí empieza a expandirse hacia todo el mundo. Aquí nace la historia y seguramente también acabará allí. Pero su historia; porque hay un final que acaba en Corea.
J: Y todo sin medios… En la necesidad está la creación, ya lo dijo… alguien.
Está todo grabado con móviles.
I: Es un requisito, sólo se puede grabar con móviles, webcam y tablets. La gente se tiene que grabar así: no quiero cámaras.
¿Pero qué surge antes, la idea o el formato de la webcam?
J: Un poco a la vez. (A Israel) A mí me hablaste a la vez de las dos cosas.
I: Es como cuando usas Facebook, es una red social por todo el mundo y dije: “coño, nadie a grabado esto”. Justo me acordé con un chavalito que sale por Nueva York, Gonzalo, y fue una idea que se me ocurrió. Éste estaba aquí, el otro allí… y ¿por qué no grabamos así? Y así fue creciendo. Hay mucha gente y falta mucha otra por salir de tele y de cine. El tema es que no tienes que quedar con ellos, se lo graban donde quieren, te lo envían por whatsapp, lo cojo y lo monto. Es cojonudo.
Javier, después de trabajar en cine y en televisión, ¿notas más facilidades y rapidez al grabar con móviles?
J: Yo me alegro mucho que la posibilidad de trabajar en cine y en televisión me haya traído a esta oportunidad de trabajar en la web serie de mi colega. (Risas) Realmente para mí es lo mismo, “¿qué hay que hacer?”… si es más complicado se ensaya y si es más sencillo, ¡pues adelante!
Y además de todo lo que nos habéis contado, ¿qué tiene de diferente “On Line” respecto al resto de webseries?
I: Lo más diferente que tiene es que es la primera grabada así a nivel mundial y si funciona como tiene que funcionar, esto va a ser un antes y un después en la forma de rodar cosas.
J: Y también se han grabado temas con músicos de todo el mundo así, grabando fragmentos. Pero sí que es verdad que nunca se había hacho un corto, una película, una serie de esta manera.
Para terminar, ¿cómo veis el panorama de las web series en España?
I: Aunque la serie funcionase mediamente bien, daría igual porque aquí el tema de las series online es un poco absurdo. Es como cuando se hacen cortos, es tu tarjeta de presentación y ya está. Desde que la gente de “Malviviendo” abrió las series online, ahora está muy bien porque coges un teléfono y haces una web serie, pero la putada es que lo puede hacer cualquiera. Esperemos que algún día sirvan para algo y que se den cuenta de la importancia de las web series… es que hasta FOX produce series online, es acojonante.
J: Básicamente la idea es hacer cosas, seguir aprendiendo, conocer a gente inquieta con ganas de hacer cosas, y esto sirve de entrenamiento para otras cosas más potentes que puedan salir en un futuro, ya sea cortos, pelis, series o lo que sea. Yo creo que tal y como está el negocio últimamente creo que lo mejor que se puede hacer gente joven como nosotros, con ganas de contar cosas, es unirse y dejarse de tonterías de “yo cobro tanto” o “yo soy no sé quién”… no, tienes ganas de contar cosas, pues júntate, busca tiempo y sácalo. E internet es la plataforma perfecta para esto.




Web de "On line: www.seriewebonline.com

FRINGE 5X03: LA COMUNIDAD DEL ANILLO

SPOILERS 5X03
El equipo Fringe ha puesto en este tercer capítulo la primera piedra en la consecución del plan para derrotar a los Observadores, trama absoluta de esta temporada. Sin embargo, este plan se nos está revelando como algo demasiado abstracto, demasiado misterioso y difuso para que realmente logre una verdadera intriga para el espectador en averiguar en qué consiste. Tengo la vaga impresión de que no será algo sólido, sino más bien una suma de factores de índole rayana a la ciencia ficción, como si fuera el anillo que tienen que arrojar al Monte del Destino para deshacerse de una amenaza gigante y omnipotente. Y en este símil, se me antojan Walter, Olivia y compañía nuestra particular comunidad del anillo, en un viaje que les llevará a muchas partes de esa tierra media en la que se ha convertido Estados Unidos tras la invasión de los Observadores, y en un plan muy débilmente cimentado y con los pasos muy poco claros, pero con indudable carácter épico. Incluso el collar de Etta con la bala tiene cierto guiño hacia ello.

De nuevo se ha vuelto a dar un pasito en la construcción de la relación entre Olivia (Anna Torv) y Etta (Georgina Haig), partiendo desde el punto en el que ahora casi tienen la misma edad, pero en este episodio lo hemos visto más desde el punto de vista de la madre, haciéndonos eco de todas las dudas que tiene sobre su recién adquirida maternidad y las que tuvo en el momento en que su hija desapareció aquel día fatídico y qué decisiones tomó. Nos centramos también solamente en este grupo, que tiene que ir hacia Pennsylvania donde observan alguna de las consecuencias que ha tenido la alteración del orden natural. Astrid (Jasika Nicole), se queda en el laboratorio para hacerles la cobertura y salvaguardar su madriguera. Broyles (Lance Reddick) y Nina (Blair Brown) vuelven a no aparecer a lo largo del capítulo, cosa bastante razonable, aunque este primero parece que volverá en el próximo episodio y tendrá que hacerse frente al dilema que tiene por delante: defender su trabajo o a sus antiguos compañeros.

Nos estamos acostumbrando a finales épicos emocionalmente en cada capítulo de esta temporada, no desde un punto de vista de acción ni de victorias sobre el adversario, sino sobre victorias sobre sí mismos, sobre victorias de los personajes. Si en el segundo fue la victoria de Etta al sentir empatía por un Partidario y la victoria de la música frente a la destrucción en el viejo coche destartalado en el que se monta Walter, en este ha sido la victoria de un héroe anónimo que lo arriesga todo por el bien común, y la victoria del hijo recién huérfano que sabe entenderlo y sobreponerse. Aquí vemos de nuevo arraigado un aprecio en las producciones de J.J.Abrams por los personajes por encima de la historia, tal y como ya pasó en la mítica “Perdidos”. Este ha sido el momento de la calma que precede a la tempestad, ya que en este capítulo la amenaza de los Observadores ha sido ínfima y al final no han hecho acto de presencia real, pero parece que en lo que viene a continuación la confrontación es ya inevitable. Veremos que sacrificios tendrán que hacer el equipo Fringe para lograr sus objetivos.

SEIS PUNTOS SOBRE EMMA

Emma tiene casi treinta años y, aunque es ciega, vive obsesionada con el deseo de ser madre. Cuando descubre que su novio no podrá dejarla embarazada, rompe con él y emprende la búsqueda de un espermatozoide perfecto. Sin enamorarse, sin sentimientos. Parece fácil, pero no tardará en descubrir que su ceguera no reside únicamente en los ojos.

Esta es otra de las películas, como “Lo mejor de Eva”, que me apetece analizar y dar mi punto de vista personal, a pesar de que ya han pasado algunos meses desde que se estrenara en las pantallas españolas. Esta es una película sencilla, con grandes personajes secundarios que no molestan, sino que a pesar de tener cada uno su historia abrazan perfectamente la historia principal, la de Emma. Es una película que oscila entre lo íntimo y lo argumental. Parece que las actitudes de algunos personajes pueden llegar a ser algo extremas o disfuncionales, pero entendemos su comportamiento cuando a nosotros nos pasa lo mismo que a ellos, nos enamoramos de Emma, o lo que es lo mismo, nos enamoramos de la interpretación de Verónica Echegui. Porque lo que sobresale de la película, como casi siempre que participa ella en una, es Verónica Echegui, regalándonos de nuevo una interpretación memorable. El film revela una gran dirección de actores. Ya no solo en el caso de Echegui, que está inmensa, sino en su acompañamiento, que viene encabezado por el televisivo Álex García, pero también por actores conocidos como Marian Hérnandez, Fernando Tielve o Nacho Aldeguer. Este segundo, entra con esta película y con su papel en la serie “Frágiles” en el selecto club integrado sobretodo por Iván Massagué, de los actores españoles que dominan a la perfección y manejan con gran soltura los códigos y las dotes para interpretar con solvencia personajes de los denominados discapacitados mentales.

Como nota curiosa, la encontramos en que los protagonistas de esta película, Verónica Echegui y Álex García, repetirán relevancia en el próximo proyecto de Iván Escobar (creador de “El Barco”). Esta historia cruda y sobretodo con mucha verdad está narrada con pulso, sin estridencias y con las pausas necesarias. Tiene en su haber unos personajes muy reales, fuera de tópicos y que aportan su universo particular. Al final se desinfla un poco, pero el final es arriesgado y coherente con el retrato que se nos ha estado dibujando de su protagonista. La cámara nunca se está quieta, así como los pensamientos y el comportamiento de la protagonista. Pero no es un movimiento frenético, sino un ligero bamboleo, como lo hacen los planes que tiene Emma en su vida. Los paisajes que tenemos en los exteriores, son un soplo de aire fresco que sacan al espectador del agobio que puede producir las localizaciones como el lugar donde se imparte terapia  o incluso el hogar de la misma Emma, que parece empequeñecerse según avanza la narración. Por tanto, una película bella e insignificante, como la vida misma. Mi puntuación: 7,5 sobre 10.

PRIMERAS IMPRESIONES DE LA 2ª TEMPORADA DE "NEW GIRL"

La segunda temporada de la comedia americana sigue en la misma línea, y empieza en términos de relevancia exactamente como empezó la primera, con Cece (Hannah Simone) muy en segundo plano y con Winston (Lamorne Morris) un poco desubicado al que cuesta sacarle trama propia, siendo Jess (Zooey Deschanel), Nick (Jake Johnson) y Schmidt (Max Greenfield) los que se revelan una vez más como los personajes con más potencial. La extravagancia de Schmidt se está llevando todavía aún más al extremo, llevándole casi a la parodia de forma creciente, como ocurre con los personajes que gustan y que se van encontrando a sí mismos tanto a nivel de escritura como a nivel de interpretación. Sin embargo, esto puede provocar rechazo en algún sector de público, tal como pasa con la sobreactuada Estela Reynolds de Antonia San Juan (salvando las obvias distancias entre series, contenidos y estilos), pero es un riesgo que se suele correr en las series cómicas. Este nivel de semi-parodia se ha podido ver en una de las tramas del segundo capítulo, en el que supuestamente el Nick del futuro visita al Nick actual, dándole ciertos consejos y dándole cierta información para que se entienda a sí mismo y su relación con Jess, aunque finalmente se nos revela al hombre como un vagabundo con la mente un poco distorsionada. Sin embargo, esta trama sirve para que Nick se enfrente a su yo, de forma cómica y a la vez trascendental.

Sin embargo, en una impresión que no logro explicar ni con hechos ni ejemplos concretos, echo en falta algo de la chispa en los diálogos y en las tramas de la primera temporada, aunque quizás sea cosa de calentar y en los capítulos siguientes vuelvan a encontrar esa senda de frescura que rezumaban anteriormente. Aunque en algunos momentos puede dar esta sensación, tiene como ventaja el ser una ficción tremendamente barata de producir (en teoría), y que tarde o temprano recuperarán ese punto de imaginación que le pueda faltar en algunos tramos de la temporada. En estos primeros episodios, pocas veces han sido los momentos en los que algún personaje ha salido del edificio común que regentan, con excepción de los típicos flashes que suelen bañar dos o tres veces cada capítulo. Estos flashes recuerda cada vez más, sino lo hacían ya los de la primera temporada, a los utilizados por “Padre de familia”: surrealistas y llevados al extremo de la extravagancia.

En cuanto a tramas propiamente dichas, se sustenta aún más esa relación de tira y afloja entre Jess y Nick germinada durante la primera temporada, inteligentemente construida ya que la tensión sexual no resuelta no se juega exactamente poniéndoles novios distintos, y haciéndoles que se junten para volver a romper, como es típico en la mayoría de ficciones, sino que se construye de una forma en que no luchan con otras personas sino que luchan consigo mismos pare definir y redefinir su relación. Ahora tenemos a una Jess más perdida que nunca, que acaba de perder su trabajo y no sabe muy bien que hacer con su vida. Sin embargo, este es un factor que afecta al resto de personajes, tal y como se encarga de plasmar el capítulo cuarto, donde vemos a nuestros personajes tratando de encontrar su lugar en el mundo y en su propia mente, con los miedos propios de la gente que acaba de cumplir los treinta y no tiene muy claro hacia dónde avanzar, acrecentado esto por las fobias y características peculiares de Nick, Schmidt, Jess y compañía. Esta será la temporada del intento (y despropósito) de maduración del mundo freak.

DEXTER 7X02: EL NUEVO CÓDIGO

SPOILERS 7X02
El capítulo se abre con una Debra Morgan corriendo del apartamento de Dexter mientras este la persigue, después de habernos dejado sin aliento con la declaración homicida del anterior capítulo. A partir de aquí, y dejando a un lado de que algún espectador podría pensar que el capítulo se iniciara aún con más violencia o tensión incluso, Deb (Jennifer Carpenter) adopta el papel del espectador poniendo sobre la mesa todas las teorías que se nos han pasado por la cabeza desde el capítulo inicial de temporada, aunque al final haya  decidido una de las menos agresivas, pero no por ello no sorprendente: hacer de niñera de Dexter (Michael C.Hall) para tratar de curarle, para tratar de curar su adicción. Porque hemos entrado en una dinámica en la que la necesidad de asesinato se ve bajo el prisma de Deb como una adicción. La hermanastra del protagonista hace también un poco el papel de psicóloga, regalándonos una de las escenas más perturbadoras de los últimos tiempos: Ese cuestionario a Dexter sobre como se siente y que le sucede cuando quiere matar, mientras este come unos espaghettis bañados en intensa salsa de tomate.

A raíz de este giro tan brutal en la relación de los dos hermanastros, hemos entrado en un punto en el que brilla con luz propia el humor negro, al encontrarnos la vida diaria de un asesino en serie compartido con su hermana de una forma tan naturalizada. Aunque por otro lado, se corre el riesgo de traspasar la frontera entre la verosimilitud adaptada a una historia y un contexto (como se puede hablar en estas series modernas como “Dexter” o “Breaking Bad”), para pasar a la parodia sino se sabe gestionar bien el comportamiento de Debra respecto a la condición de nuestro protagonista. A pesar de que la actitud de esta pueda parecer un poco blanda, es razonable pensando desde un punto de vista de guion, ya que es imposible imaginarnos una serie en el que hubiera delatado a Dexter y este hubiera sido encarcelado. Un puto intermedio podría haber sido una especie de pacto, que tal vez llegue posteriormente, en el que le cubriría con la condición de no volver a repetir sus instintos homicidas. De momento, solo está ejerciendo como una especie de madrina de alcohólicos anónimos que le vigila y le protege de su problema. ¿Aguantará Dexter sin volver a matar? Probablemente no: Dexter es lo que es.

La trama horizontal sobre el caso policial de la temporada (porque todo parece apuntar a que esta vez no nos encontraremos con un asesino en serie) se desarrolla de forma lenta y pausada, dejando toda la importancia a la relación entre Dexter y Deb. En paralelo, Laguerta (Lauren Vélez) sigue estrechando el cerco, aunque también a pasitos tan lentos como la trama horizontal de la mafia rusa y el local de señoritas de compañía. El otro punto argumental sobre el que se incide esta temporada viene dado en la figura de Louis (Josh Cooke), que pese a haber sido amenazado por Dexter sigue inmiscuyéndose en su vida y no parece haberse visto amedrentado. Por ello, se nos abren unas cuantas preguntas después de estos dos episodios: ¿Qué es lo que pretende Louis realmente, solo darle un escarmiento por haber ofendido su videojuego, o algo más? ¿Se verá obligado Dexter a deshacerse de Louis? ¿Qué descubrirá María Laguerta buscando entre los antiguos archivos del caso Doakes? ¿Aguantará Dexter sin volver a matar? De hacerlo, ¿avisará a su hermanastra? ¿Seguirá aguantando Debra teniendo un asesino en serie en casa que además cuida de Harrison? Dexter is back.

FRINGE 5X02: REDESCUBRIENDO A ETTA

SPOILERS 5X02
“Fringe” sigue con mano de hierro hacia una “épica” batalla entre el grupo antiguo Fringe contra los Observadores, en pos de liberar a la humanidad de su servidumbre hacia estos seres venidos del futuro. Sin ninguna duda, ha desaparecido ya completamente todo vestigio de que pudiera recuperar ese aire procedimental a lo “Expediente X” para meternos en una trama en la que el objetivo fundamental y absoluto es derrotar a los Observadores. En este plan, el equipo se ha convertido en una especie de grupo a lo cuarta temporada de “Prison Break”, donde cada uno tendrá más o menos su función, con el añadido de situarnos en el futuro y en un contexto de cuasi ciencia ficción. Como parecía claro, tanto Olivia (Anna Torv) como Peter (Joshua Jackson) están descubriendo la mujer en la que se ha convertido su pequeña Etta (Georgina Haig), y puede que no les guste del todo. Peter y Olivia son algo así como “Águila Roja” pero Etta parece se asimila más bien al agente Jack Bauer, haciendo lo que tiene que hacer para lograr sus objetivos. Sin embargo, a final de capítulo ya se nos presenta un vestigio de cambio en la personalidad tan vapuleada de la joven agente, que trae consigo la aparición y la influencia de su madre. Por otro lado, algo que descubriremos tarde o temprano, ¿qué significa el collar con la bala que lleva consigo Etta?

Este ha sido un capítulo extraño e inteligente, ya que toda la inversión que conllevará la producción de esta temporada se ha subsanado un poco con este capítulo teniendo a los protagonistas la gran mayoría del tiempo en el antiguo laboratorio de Walter, lo que no quiere decir que en el capítulo no haya habido tensión emocional. La ficción de J.J.Abrahms vuelve a apostar por un ex  lostie, esta vez Eric Lange (que daba vida a Razinsky allí) para interpretar a un secundario, aquí un miembro partidarios de los observadores que supuestamente perdió a su hijo y ahora solo quiere un lugar seguro donde vivir sin problemas. El juego de mentiras y medias verdades propiciado por este personaje, con cierto parecido al que tuvieron con Benjamin Linus (Michael Emerson) cuando apareció en la ya extinta ficción, ha creado la tensión que esta vez viene alejada de la acción y la lucha. Este ha sido un episodio donde no han aparecido ni Nina Sharp (Blair Brown) ni Broyles (Lance Reddick), situación que parece que va a ser bastante común en esta última temporada. Como otra de las bombas que se nos ha presentado, hemos podido ver al agente Foster (Henry Ian Cusick) aparentemente muerto, con la cabeza cercenada aunque con la posibilidad remota de que su organismo todavía tenga consciencia o algo que se le parezca.

¿En qué consiste el plan de Walter para derrotar a los Observadores? ¿Dónde se encuentran las cintas que les darán las claves para acceder a este plan? ¿Qué papel tomará Broyles en esta guerra? Estas son las pocas pero grandes preguntas que salen despedidas de estos dos primeros episodios. Esto viene propiciado por el gran reseteo de la serie, que ha olvidado todo su universo de casos fuera de lo normal e incluso de viajes en el tiempo que habían sido leitmotiv de la serie. Eso no quiere decir que los guionistas no nos reserven algún coqueteo con esos temas, pero los tiros parecen ir en otra dirección. ¿Os imagináis que una de los pasos para salvar el mundo les exigiera de nuevo en un salto en alguna línea temporal? Veremos lo que nos depara la ficción.

5ª TEMPORADA DE "CALIFORNICATION"

En esta quinta temporada de la irreverente serie se vuelven a repetir fórmulas, en lo que en una primera mitad daba la sensación de cierto agotamiento e incapacidad de los guionistas por renovar de una forma efectiva la serie. En los primeros capítulos, la ficción  volvía a retomar los mismos elementos de siempre, sin encontrar un punto que le diferenciara de otras temporadas, con el único factor distintivo de la posición ligeramente más madura que estaba tomando Hank (David Duchovny) respecto a su entorno y sus relaciones. Sin embargo, esto define la esencia de la temporada, que no es otra que la redención de Hank Moody. Esta redención está correctamente hecha en la figura del personaje de Duchovny, ya que se hace de una forma progresiva y muy bien escrita, pero no en el caso de los alter egos que surgen en las figuras de Tyler y Bates, que se comportan cada cual de forma más malsana y llevada al extremo para que Moody quede como héroe. Si bien se vuelven a repetir estructuras como la de sembrar una mujer al principio (Meagan Good) que luego resulta ser la amante del rapero al que le tiene que escribir una película; tanta casualidad ya empezaba a saltar un poco a la vista. Esta pareja prácticamente tiene la misma función que la de la temporada pasada que formaban Eddie Nero (Rob Lowe) y la actriz que iba a interpretar a Mia (Addison Timlin), con el elemento de coincidencia casual, como ya ocurrió también entre Mia (Madeline Zima) y el nuevo novio de Karen, que al final resultó ser el padre de esta primera.

La serie sufrió en el primer capítulo un reseteado al situarnos un año después de dónde lo dejamos, con un Hank Moody que intenta hacer las cosas mejor que en el pasado justo en el momento en que ve más lejos el amor de Karen y comienza a ver en Becca (Madeleine Martin) ciertos comportamientos disruptivos que cree heredados de él: Esta segunda también es una de las claves de la temporada, ya que su nuevo novio (Scott Michael Foster) se nos presenta a la vez como un antagonista de Hank pero también como su alter ego de juventud, que repite los errores que él cometía por doquier, por lo que a Moody le será difícil tomar partido. En esta temporada se incide más en la vertiente literaria de Hank, mucho más cercana al mundo cinematográfico, donde entra a jugar también Tyler, además de Stu y Samurai (RZA). En cuanto al apartado reparto, lo más destacado ha sido la reaparición de Richard Bates, el escritor que nos sacó una sonrisa hace unas temporadas cuando ebrio a más no poder apareció desnudo en el salón del Decano y con el rabo entre las piernas danzó al más puro estilo sirena, acción que vuelve a repetir esta temporada. También es extraordinaria y agradable la aparición del último capítulo de la temporada del actor Callum Keith Rennie, el que fuera su mejor amigo en la segunda temporada, en el sueño de apertura de capítulo.

En el código sexual, que es como si dijésemos, la premisa filosófica de la serie, nos encontramos un punto de distinción respecto a otras temporadas en el que curiosamente se han visto casi más desnudos masculinos que femeninos, por lo que se está pasando de la sexualidad gamberra a la sensualidad vergonzosa (sobretodo a cargo de Richard Bates y Charly Rankle), a excepción de la aportación femenina de Lizzie (Camila Luddington). En este aspecto, el apartado al que más partido se le ha sacado es al triplete (que no trío ni triángulo) formado por Charlie (Evan Handler), Marcy (Pamela Adlon) y Stu (Stephen Tobolowsky), y al que se le ha juntado a mitad de temporada la misma Lizzie; aunque se han excedido un poco al incorporar ese código sexual incluso a la vida de su recién nacido, algo que es gracioso al principio pero que puede llegar a resultar demasiado irreverente en otras ocasiones. El último capítulo acaba en un cliffhanger bastante potente, cosa rara en esta ficción, que nos deja a un Hank envenenado por sobredosis de pastillas, obligado a ingerirlas por una ex amante psicótica, cuando estaba a punto de arreglar las cosas con Karen tras la fuga voluntaria de Bates. ¿Cómo continuará?

RESIDENT EVIL: VENGANZA

Alice (Milla Jovovich) continúa su lucha contra la Umbrella Corporation y sus malvados planes en esta quinta entrega de la franquicia basada en la saga de videojuegos "Resident Evil", que se desarrolla en Tokio. Es secuela de Resident Evil 4: Ultratumba.

Este tipo de productos, si se toman en serio como película casi siempre fracasan, pero si lo vemos como un formato diferente de dar vida al videojuego se puede degustar con cierta facilidad. Este caso no es una excepción. Esto lo dejan claro ciertos giros de guion o resoluciones de clímax de forma algo tramposa, que cuelan en un formato videojuego pero que cantan mucho en un argumento que pretende ser profesional. Ciertamente es un pastiche de las anteriores entregas, a las que se les une el elemento (ya venía tardando) amor familiar, de una forma que se podría considerar original, por lo cual ahora la heroína es vulnerable y se intenta presentar algo alejada de ese muñeco de videojuego. Volvemos a tener de nuevo la ración acostumbrada de lugares asolados de zombies, monstruos de ciencia ficción que ponen en peligro a la protagonista, y algunas alianzas un poco dudosas que no sabemos muy bien de dónde han salido. La película está rodada en formato 3D, al que se le saca mucho partido en una escena inicial hacia atrás y a cámara lenta realmente preciosa y espectacular, dónde se utiliza además para situar los créditos, pero a medida que avanza la película parecen olvidarse de ese artificio, relegándolo a ocasiones puntuales donde alguna bala, alguna lanza o algún chorro de sangre sale volando.

Una siempre resultona y bella Milla Jokovich vuelve a situarse al frente de la cinta, desplegando un gran arco de artes marciales pero retratando a una Alice un poco más humana y vulnerable. Acompañándola tenemos a Michelle Rodríguez, que es la candidata perfecta para este tipo de papeles de chica dura algo machorra, pero aunque pueda parecer extraño (ya que ha participado en la primera parte y en la película “Machete”) se la ve poco diestra en el manejo de las armas y las coreografías, haciendo que su aportación en este ámbito sea bastante mejorable. Junto a estos dos, vuelven a repetir papel en la saga Sienna Guillory como la ahora vírica villana Jill Valentine, y Boris Kodjoe como Luther West. En el reparto también se encuentra el actor de “Perdidos” Kevin Durand, interpretando de nuevo a un hombre de guerra que se siente más cómodo con un arma en la mano que un aristócrata con monóculo. Las recreaciones de las ciudades de Londres, Tokyo y demás ciudades suponen también un plus de agradecer en esta película que no ofrece mucho más que las anteriores, aunque si se es fan de la franquicia se disfrutará con este nuevo giro de tuerca no muy novedoso, pero que es bastante común en las sagas de acción: la venganza. Mi puntuación: 5 sobre 10. “Resident Evil: Venganza” se estrena mañana en las salas españolas.

DEXTER 7X01 Y EL PUNTO DE NO RETORNO

(SPOILERS 7X01)
El capítulo empieza con una trampa de guion en la que encontramos a Dexter huyendo en un coche, con la aparente promesa de que va a dirigirse a un vuelo a Ucrania para escapar de algo. Sin embargo, cuando la historia vuelve a donde la dejamos la temporada pasada se nos revela esta primera escena como un camelo para dejar al espectador sorprendido. Parece que los guionistas se van a echar atrás en su órdago. Sin embargo, a través de los recuerdos tanto de la infancia por parte de Dexter como recuerdos de la propia Debra cuando se vio involucrado con el hermano de Dex, asesino en serie también, esta se da cuenta de la verdadera naturaleza de su medio-hermano, lo que ya no puede negar nuestro protagonista. Por esto, el capítulo culmina en un espectacular final con Debra en el apartamento de su hermano después de haber encontrado las muestras de sangre que guarda de sus crímenes, y con ese “¿Eres un asesino en serie?” “Sí”.

Los guionistas han sido lo suficiente inteligentes para utilizar a Debra (Jennifer Carpenter) en este capítulo inicial con la función de poner en su boca las preguntas que el espectador se hacía. Habría sido un error que esta creyera ciegamente todo lo que trataba de explicarle Dexter (Michael C.Hall), provocando así que el paso gigante que parecían haber dado a final de temporada se quedara a medias, pasando de revelarse como un asesino en serie a revelarse como un asesino puntual enajenado. Realmente ha habido un momento en el que he creído que esto sería así, habían optado por dejar su apuesta a medio camino, pero han sido muy realistas al hacer a una Debra verosímil, a la que no la basta cualquier explicación, y todas las discordancias han acabado llevándola hasta la terrible e inapelable verdad. Chapó. Esta será la temporada total de Dexter y Debra, ahora que ya sabe el secreto de su hermano. Con un paralelismo curioso en el que casi al mismo momento en otra serie también se ha revelado un gran secreto, como ya se dijo en otra reseña, que no es otro que la vida secreta de Walter White descubierta a manos de su cuñado Hank. ¿Hasta que punto tolerará Debra la esencia de su hermano postizo? ¿Le venderá a la policía? ¿Tratará de ayudarle? ¿Dejará de relacionarse con él? ¿Le dará una oportunidad intermedia como fugarse de allí y jurar que nunca volverá? ¿Le dejará seguir siendo la figura que cuide de Harrison?

Por otro lado ya se ha abierto lo que será la trama policial horizontal de la temporada, que parece involucrada con una serie de salas de bailarinas y ciertas mafias del este, que ha comenzado bajo el asesinato de uno de los agentes secundarios que a la vez cerraba un posible cabo suelto para que alguien más descubriera lo que realmente había pasado con el final del Asesino del Juicio Final (Colin Hanks). Seguirá coleando, tal y como se ha dado muestra, la relación de "partners" tan complicada que tienen Angel Batista (David Zayas) y Quinn (Desmond Harrington) debido al comportamiento negligente y autodestructivo de este segundo. María LaGuerta (Lauren Vélez) parece que tomará el papel que tuvo en su día Doakes, sospechando cada vez más de la involucración que tiene Dexter respecto a los crímenes que investiga: de momento ya ha encontrado una muestra de sangre plastificada entre dos trozos de cristal, algo que no coincide con la escena del crimen ya que no debería estar allí. A esta se le une Louis (Josh Cooke), el novio de su niñera, que parece estar vigilándole y que parece ser un personaje casi más turbio que el propio Dexter. Sin duda, las piezas están situadas en el tablero para que esta temporada sea la temporada en que el motor de la tapadera de Dexter sea reventada por cualquiera de sus engranajes tan cuidadosamente dispuestos. ¿Quién más averiguará la verdadera identidad del analista de sangre?

7 DÍAS EN LA HABANA

“7 días en La Habana” se compone de siete historias dirigidas cada una por un director distinto, además de pertenecer cada una a un día distinto de la semana, como reza el título. Estas historias autoconclusivas bucean en las costumbres cubanas, en sus miedos más profundos y en la idiosincrasia propia de su sociedad, así como los comportamientos atávicos de la región: en esta labor la película es ciertamente efectiva, y se respira con cierta facilidad el sabor de las calles y de las gentes de la ciudad cubana. Sin embargo, como pasa en este tipo de films (al estilo de lo que podría ser “París, je t`aime” o “Noche de fin de año”), hay alguna historia mejor que otra, y alguna que simplemente es soporífera (como la dirigida por Elia Suleiman, en una especie de homenaje vacuo a “Muerte en Venecia”). La nota distintiva la pone el corto de Juan Carlos Tabío, que contiene ciertos guiños a alguna de las otras piezas del conglomerado. Mi puntuación general: 5 sobre 10. Las historias son estas:

“El Yuma” (Benicio del Toro): Teddy Atkins (Josh Hutcherson) es un joven estadounidense que descubre La Habana. Angelito es un taxista de mediana edad al que Teddy contrata para que le enseñe la ciudad. Pero la visita a la ciudad será de todo menos tradicional…

“Jam Session” (Pablo Trapero): Un conocido director, Emir Kusturica, viaja a Cuba para recibir el Premio a Toda una Carrera. Más interesado en la vida nocturna que en ser agasajado, se hace amigo de un conductor en el que descubre a un excelente trompetista.

“La tentación de Cecilia” (Julio Médem): Leonardo quiere contratar a Cecilia como cantante y le propone marcharse con él a España. Ella vive con su novio José, un jugador de béisbol que está pasando por una fuerte crisis profesional. Cecilia deberá tomar una decisión crucial.

“Diario de un principiante” (Elia Suleiman): Elia llega a La Habana y pasea por las calles de la ciudad mientras espera que llegue la hora de un encuentro organizado por la Embajada palestina. Poco a poco, el paseo que había emprendido para matar el tiempo se convierte en una auténtica prueba que acabará redefiniendo su identidad.

“El ritual” (Gaspar Noé): Al descubrir que su hija adolescente tiene una relación homosexual, los padres deciden que debe ser exorcizada.

“Dulce amargo” (Juan Carlos Tabío): Mirta es psicóloga, dedica casi todo su tiempo libre a hacer dulces para obtener suficiente dinero para mantener su casa y a su familia. Hoy, un cliente especial le hace un pedido importante…

“La fuente” (Laurent Cantet): Martha vive en un piso destartalado. En el centro del salón está instalada una estatua de la Virgen María. Después de un sueño en el que se le aparecía ella, Martha decide organizar una ceremonia y una fuente en su honor con la ayuda de sus vecinos.