OPERACIÓN E

Una mujer secuestrada por las FARC da a luz a un niño en medio de la selva colombiana. En el momento del parto, la guerrilla arrebata al niño de su madre y se lo entrega a Crisanto (Luis Tosar), un modesto agricultor que sobrevive en la jungla con su joven mujer, sus cinco hijos y suegro curandero, y que deberá hacerse cargo del bebé bajo amenaza de muerte. La lucha sin descanso de esta familia les hará sortear toda clase de adversidades desconociendo qué se esconde tras el interés de la guerrilla por el pequeño.

Miguel Courtois, director de películas como “El lobo” o “GAL”, vuelve a zambullirse aquí en un conflicto tanto político como armado que nos presenta desde el lado que no solemos ver en las noticias ni en los comentarios en el bar, el lado humano. Este es el lado de un joven agricultor que se ve en medio de este conflicto sin sentido, que se ve obligado a estar sometido bajo una presión constante sin comerlo ni beberlo, sin tener claro quienes son sus aliados y quienes sus amenazas. Luis Tosar da vida a este protagonista con una verdad y un derroche actoral digno de alabar, comenzando por un acento colombiano muy pulido y satisfactorio y pasando por una sugerente encarnación gestual de una idiosincrasia alejada a la española. El resto de los personajes principales se encuentran encerrados en la familia del personaje de Tosar, entre los que se encuentra una mujer mucho más joven que él (Martina García) y el elemento más llamativo, el suegro convertido en una especie de chamán extravagante.

Porque esta es la historia de una familia que se ve obligada a movilizarse sin descanso, a perderlo todo por los juegos de los dos bandos, pero a la vez es un homenaje a las miles de familias que están en su misma situación. Es una película sin duda necesaria y bien rodada, que denuncia una situación que lleva ya prodigándose décadas, y que muestra una facción de la situación que los países suelen ocultar, pero que está ahí. Una de las virtudes del film es alejarse del maniqueísmo, ya que en este equilibrio tan precario, tanto el comportamiento del gobierno como la de las FARC se antoja exasperante e injusto. En algunos momentos puede faltar garra, pero las situaciones son muy humanas y universales. Un ejercicio de buen cine social, mostrando la realidad colombiana, que nos propone a un fantástico Luis Tosar interpretando a una figura real muy alejada de los papeles a los que nos estaba acostumbrando últimamente. Mi puntuación: 6,5 sobre 10. “Operación E”, después de haberse estrenado en el festival de San Sebastián, se podrá ver en todas las salas Españolas desde el próximo viernes 5 de diciembre.

EL ORIGEN DE LOS GUARDIANES

Los Guardianes Inmortales son un grupo de héroes que poseen extraordinarias facultades. Cuando Pitch, un espíritu maligno, acepta el reto de destruir el mundo, esos héroes tendrán que unir sus fuerzas por primera vez para proteger las esperanzas, las creencias y la imaginación de los niños de todo el mundo.

“El origen de los guardianes” es una muy aceptable cinta de animación que continúa la senda iniciada por “Arthur Christmas: Operación regalo” revisando el mito de Papa Noel y esta vez introduciendo muchos más elementos del colectivo común de la generación infantil, en un código mucho más emotivo y a la vez mucho menos gamberro y original que esta primera. Nos encontramos aquí con un Papa Noel que se me antoja como una especie de Ángel del Infierno reformado que se ha dado cuenta de lo que echaba en falta de su infancia; con un Conejo de Pascua que es lo más parecido al personaje cómico de la historia (lo que podría ser con sus matices el Asno de “Shrek”) y que para más inri tiene un particular pique ancestral con el protagonista del film. Como parece obvio, este último personaje es el que sufrirá un mayor arco de la película durante el desarrollo de la narración, ya que tiene que pasar de ser una criatura totalmente inmadura para darse cuenta de lo que todos esos seres llevan haciendo desde los albores de la humanidad: mantener la ilusión y los sueños de los chavales.

La clave de esta película de animación, lo que la hace humana y algo distinta a otras del mismo género, es un paralelismo muy bien construido entre la creencia y la ilusión de los niños en estos seres míticos e imaginarios (Papa Noel, las hadas, el ratoncito Pérez…), la confianza en su existencia. ¿Cómo nos sentiríamos nosotros si fuéramos estos seres y de repente dejaran de creer en nosotros? Esto es lo que les ocurre a los protagonistas, que se debilitan y desaparecen cuando los niños dejan de creer en ellos, por lo que los protagonistas tienen un conflicto tan universal y tan humano que es difícil no empatizar. El artífice y antagonista total de la cinta es “Pesadilla”, que provoca que dejen de creer en Papa Noel y compañía al introducirse en los sueños de los niños para hacer que empiecen a creer en él. Pesadilla es una especie de “Voldemort” que será el que provoque que estos demás Héroes unan sus fuerzas, en un viaje que tiene momentos originales pero algunos bastante comunes, aunque eso sí, casi todos con una fuerza visual bastante agradable de disfrutar. Mi puntuación: 6,5 sobre 10. “El origen de los guardianes” se estrena el 30 de Noviembre en las salas españolas.

INVASOR

Pablo es un médico militar español enviado en misión de paz a Irak durante la guerra de 2003. En una salida rutinaria su convoy es atacado en el desierto. Él y su amigo Diego logran refugiarse en una casa deshabitada, pero se ven envueltos en un conflicto que pone sus vidas en peligro...

Daniel Calparsoro, del que hablamos hace poco debido al rodaje de su nueva película “Combustión”, se adentra aquí también en el cine de género, tan poco tratado en España y que parece tan difícil de abordar en nuestra industria. Esta es una historia sobre asumir responsabilidades, sobre una situación tan infame que es difícil justificar a los personajes que llevan a cabo este tipo de acciones, pero la película intenta evitar caer muy obviamente en maniqueísmos. No siempre lo consigue. Un ejemplo es el personaje de Karra Elejalde, que no acaba de decidirse entre hacer un villano al uso o una persona con su integridad puesta en el otro lado de la balanza, por lo que su personaje hace aguas en algunos momentos, llegando incluso a rozar la parodia en los últimos compases. En el otro punto, tenemos a un gran y eficaz Antonio de la Torre (algo a lo que nos tiene acostumbrados), una muy válida Inma Cuesta dando vida a la mujer del protagonista, y a un Alberto Amman sobre el que vuelve a recaer el papel principal que se me antoja un poco inexpresivo. Cierran el reparto nombres como el de Bernabé Fernández (“El Barco”) o Luis Zahera (“Sin tetas no hay paraíso”).

Muy efectivamente rodada, con escenas que dan una sensación de pulcritud y de buen hacer que elevan el mérito de la película, se le suma también una fotografía muy trabajada y que nos hace creernos los paisajes y los contextos que nos ofrecen, ya sea en La Coruña o ya sea en el desierto iraquí. La banda sonora es simple pero eficaz, con unas ondulaciones que modulan los dilemas de los protagonistas. Falla por otro lado el guion, al que le hace falta algo de sustancia, algo que no sea solamente el conflicto moral con el que se encuentra el personaje protagonista; ya que es muy significativo que lo que más llame la atención sean las imágenes que pertenecen a la ficción de Iraq y la magnífica escena de persecución rodada en el centro neurálgico de La Coruña, cuando se presupone que es una historia sobre personajes y conflictos universales. Por tanto, un ejercicio de talento de realizador, pero al que le falta algo más de garra argumental, no una simple denuncia de situación de los comportamientos de este tipo de instituciones. Mi puntuación: 6,5 sobre 10. “Invasor” se estrena este mismo viernes 30 de noviembre en las pantallas españolas.

DEXTER 7X09: EL MIEDO

El capítulo noveno de “Dexter” nos ha puesto a nuestro asesino preferido en una tesitura en la que se ha visto obligado a hacer lo que más necesita por unas razones que no suelen ser las comunes. Además, la trama de la hermandad ucraniana ha explosionado de una forma que ha hecho que ya no haya vuelta atrás.

Y es que el capítulo se inicia con la promesa de que dos asesinos ha sueldo han viajado hasta Miami para encargarse finalmente de Isaak (Ray Stevenson). En este punto, surge una inesperada alianza entre el mafioso y Dexter (Michael C.Hall), no cuando este primero le propone que se encargue de su amenaza a cambio de su perdón por asesinar a Víktor, sino cuando el asistente personal de Isaak secuestra a Hannah (Yvonne Strahovski). Porque este es un episodio en el que se ha buceado en los peores miedos y temores de los personajes: el de Isaak a perder lo único que le había hecho amar, el de Dexter al perder la libertad que supone el estar con una persona frente la que  realmente no tiene que fingir, el de Debra (Jennifer Carpenter) a asumir lo que siente por Dexter y pensar en lo que se está convirtiendo… De nuevo, este sentimiento ha sido el que ha urdido la trama del capítulo entre estos cuatro personajes, relegando al resto de piezas a meros secundarios adyacentes. Después de la resolución de la trama, con un giro de tuerca inesperado que no involucra a Dexter precisamente, ¿podemos decir ya que ha acabado la trama de los koshka con la muerte primero de los asesinos a sueldo y más tarde con la muerte del propio Isaak? ¿Puede estar ya Quinn tranquilo o todavía puede verse comprometido?

En la otra rama de la ficción, continuamos teniendo a María LaGuerta (Lauren Vélez) y Quinn (Desmond Harrington) como los últimos eslabones algo relevantes, ya que esta primera sigue en su cruzada personal para averiguar quién es realmente el Asesino de la Bahía (incluso pidiendo ayuda a la persona que obligó a retirarse del cuerpo), y el detective todavía sigue viendo las consecuencias de la alianza con los Koshka y su perdición por la stripper rusa. Definitivamente, hemos vuelto a perder al hijo y a los hijastros de Dexter de la presencia de la pantalla, y probablemente no los volveremos a recuperar en lo que resta de temporada. Ahora parece claro que el enfoque de la investigación de LaGuerta se volverá aún más hacia Dexter, y que esta trama junto a la especie de triángulo amoroso formado entre Debra-Dexter-Hannah será la que comporte argumentalmente el final de esta séptima temporada de “Dexter”. ¿Tendrá que cubrir Debra a su hermanastro de LaGuerta? ¿Descubrirá esta que el Asesino de la Bahía es Dexter? ¿Se verán obligados a deshacerse de la general? Veremos que pasa en el 7x10.

ASTÉRIX Y OBÉLIX AL SERVICIO DE SU MAJESTAD

César tiene sed de conquistas. Al mando de sus gloriosas legiones, decide invadir esa isla situada al límite del mundo conocido, aquel país misterioso llamado Bretaña. La victoria es rápida y total. Bueno… casi. Un pequeño poblado bretón resiste, pero sus fuerzas se debilitan. Cordelia, la reina de los bretones, decide enviar a su oficial más leal, Buentórax, en busca de ayuda a la Galia, donde hay otra pequeña aldea, conocida por su obstinada resistencia a los romanos…

Siempre he pensado que trasladar el humor de un cómic al formato de la gran pantalla es harto difícil, pero películas como esta me reiteran más en mi postura, ya que no es que no sepan traspasar esa barrera sino que a veces intentan engrandecer lo que no hay que engrandecer, y algunos puntos en que se intentan tomar licencias no funcionan, para encima no potenciar los elementos más cinematográficos. La trama une varios cómics distintos (“Astérix en Bretaña” y “Astérix y los normandos”), en una fusión que no está mal como intento, pero que no logra los resultados deseados. El humor intrínseco en la historia de los vikingos que buscan conocer el miedo como si fuera una aptitud heroica es desternillante en el comic, pero nos resulta tan irreal en un contexto más humano y reconocible que es incapaz de transmitir ese juego del lenguaje que fomenta la historia en papel. Sí hay dos elementos que me han llamado la atención en cuanto a estas licencias que se han dado los guionistas y realizadores del film: La especie de “Naranja Mecánica” a la que se le somete a uno de los vikingos a cargo de la madame inglesa, y por otro lado alguna escena videoclipera que aunque con extrañeza, se asume bien.

Y es que nos encontramos sorpresivamente con un banda sonora muy actual, que por el contrario no choca tanto como hubiera creído a priori, es impactante casi me atrevería a decir, pero no inapropiada. Me recuerda al tipo de promociones que hacía antes “Cuatro”, muy originales y que chocaban ideas contrapuestas entre música e imagen. Me ha gustado por otro lado la interpretación de Guillaume Gallienne (Buentorax), y es un orgullo tener a Fabrice Luchini dando vida a Julio César, que aunque no se parece físicamente siempre es un placer verle en pantalla, actor al que hemos tenido hace unas semanas en la fantástica “En la casa”. Como curiosidad, encontramos a dos actores nacionales en el reparto: Javivi dando vida a un torturador romano y Tristán Ulloa como uno de los generales de la legión, pero son apariciones muy puntuales y que pasan de puntillas. Sí hay ciertos guiños de reconocimiento para los seguidores de los comics, entre los que me incluyo, pero en caso contrario es una película al que es raro sacar disfrute pleno de no encontrarse uno en la franja infantil. Mi puntuación: 4 sobre 10. “Astérix y Obélix al servicio de su majestad” se estrena el 30 de noviembre en los cines de España.

CUESTIONARIO A LUCÍA RAMOS, ANTONIO GARRIDO Y ANA Mª POLVOROSA

En la segunda parte del cuestionario que inauguramos el jueves pasado con motivo del estreno de la película “FIN”, ahora tenemos a tres actores más que respondieron en el photocall: Uno de los actores que participan en la película como es Antonio Garrido (“Los protegidos”), a la guapísima Lucía Ramos (“Física o Química”) y a la próxima “fenómeno” Ana María Polvorosa (“Aída”).

En la película, los protagonistas van desapareciendo uno a uno. ¿Ha habido algún momento que recuerdes en que hayas querido desaparecer? ¿Cuál sería tu lugar ideal para hacerlo?

Lucía Ramos: Pues a veces cuando me siento muy agobiada sí que me gustaría desaparecer. Probablemente elegiría otro país distinto al que vivo, quizás a Londres o a Roma, que son ciudades que particularmente me encantan.

Antonio Garrido: Sí, hay momentos en el que todo el mundo hemos querido decir “Tierra, trágame”, sí. Lo que pasa es que en ese momento te parecen muy importantes, pero cuando pasa el tiempo te das cuenta de que tampoco lo son tanto. Ahora, si yo tuviera, no que desaparecer, pero sí perderme en algún sitio, no sé donde lo haría si te digo la verdad, aunque sí sé con quién.

Ana María Polvorosa: Pues sí, en muchos momentos de mi vida me encantaría desaparecer. Y me iría a un sitio que estuviera desierto, que tuviera playa al poder ser (Risas)… aunque en plena montaña tampoco me importaría.

Los personajes de la película que se pierden, estaban ya perdidos en sus vidas. ¿Qué es para ti el miedo a perderte física o emocionalmente?

Lucía Ramos: Yo creo que el sentido de perderme emocionalmente sería dejando la mente un poco en blanco y sin pensar en nada. Ese sería el punto yo creo, descansar un poco.

Antonio Garrido: Has dicho la cosa muy inteligente. Porque la mayoría de la gente no se da cuenta de que la mayoría de los personajes de la película cuando desaparecen tienen un conflicto interior que hace que ellos mismos estén perdidos. (Piensa) Hay muchas situaciones en los que la gente está perdida, y todos hemos también tenido situaciones en los que hemos estado perdidos. Cuando le faltas al respeto a alguien y cuando haces cosas de las que te arrepientes, en ese momento siempre estás perdido. Y la parte graciosa sería un viernes por la noche, cuando vuelves de copas, estás perdido.

Ana María Polvorosa: Pues supongo que para mi perderme a nivel vital es no encontrar el rumbo de tu vida, no saber por dónde quieres tirar.

¿Qué opinión te merecen los rencuentros con antiguos amigos o antiguos alumnos?

Lucía Ramos: Pues yo creo que francamente está muy bien, recuerdas viejos tiempos y te vienen a la memoria cosas que creías olvidadas.

Antonio Garrido: Pues mira, te digo la verdad. Mis antiguos compañeros de un colegio en el que estaba jamás tuve relación con ellos, y cuando empecé a salir en la televisión y a ser conocido me llamaron todos para la reunión de fin de curso. Evidentemente, no fui.

Ana María Polvorosa: Pues para mi son iniciativas geniales. De hecho a mi me gustaría reunirme con todas mis amigas de hace muchos años, que al final pues cada una va tirando por su camino, cada una vamos haciendo nuestras carreras, yo voy tirando por mi lado… Pero sí, estos rencuentros de amigos lejanos y que hace tiempo que no ves me parecen maravillosos.

La trama de la película es postapocalíptica. ¿Cómo te imaginas el fin del mundo?

Lucía Ramos: Yo prefiero no imaginármele, de verdad, porque soy muy hipocondríaca… (Risas) y si me lo imagino ya no puedo vivir bien, ni vivir a gusto. Prefiero no imaginármelo, prefiero que no exista, y si existirá espero que sea dentro de mucho, mucho tiempo.

Antonio Garrido: ¡Ostras! (Risas) Pues... como un apagón, que de repente saltan los plomos y ¡adiós!.

Ana María Polvorosa: ¡Qué no se va a acabar el mundo, hombre! (Risas) Bueno, esperemos que no, ¿y si se acabará qué? ¿Qué hacemos? ¿Si nos acabamos todos, no? Yo no me quiero quedar sola (Risas)… Pues a mi me gustaría mucho que existiera el cielo e irnos todos allí con los angelitos, con las nubes, a un sitio muy bonito…

La primera parte del cuestionario, aquí.

CÉSAR DEBE MORIR

Docuficción sobre los talleres teatrales que organiza en la cárcel romana de Rebibbia el director Fabio Cavalli, que ensaya con los presos obras de Shakespeare. Los ensayos y la representación final del "Julio César" se alternan con la vida cotidiana de los reclusos. “Plantearemos el contraste entre la libertad absoluta del actor y las ataduras de quien vive en una celda”, declaró Paolo Taviani poco antes de iniciar el rodaje.

Elegante y sobrio ejercicio de cine que se encarga de manifestar el poder que tiene el arte para liberar a las personas. Esta es una película pequeña, sencilla, con grandes textos y pocos elementos artificiosos que no sean el de mostrarnos una realidad, la realidad de los presos de esta cárcel, que a través del teatro y del arte pueden abrazar un nuevo aspecto en sus vidas que no sea el de la reclusión. Y como dice uno de los personajes al final de la película: “una vez que he conocido el arte, la celda se ha convertido en una prisión”. La película está rodada casi íntegramente en blanco y negro, excepto la parte del prólogo y del final dónde vemos la luz, y el color de la interpretación de los actores sobre el escenario. Sin embargo, para ser honesto conmigo mismo y con la crítica, echo en falta una mayor introspección en el alma de los presos, un juego más intenso de los sueños y de las vidas de estos, o al menos algún conflicto más potente que entre en escena, nunca mejor dicho.

“César debe morir”, dirigida por los experimentados Paolo Taviani y Vittorio Taviani (que hacen una especie de revisión del cine de Pasolini), es extremadamente concisa, con una duración que soluciona que en algún momento te pueda llegar a cansar el periplo de creación de la obra shakespeariana, con unos diálogos muy bien seleccionados, evitando que pueda resultar monótono para el espectador que busque algo más que el proceso de preparación del estreno de la obra. En mención a los actores y papeles seleccionados para dar vida a los históricos personajes, hay que resaltar que se ha jugado a la tensión y a la distensión, disponiendo un par de internos que sufrirán un conflicto derivado de sus personalidades que hará peligrar la obra, y para contrarrestar esta intensidad, se ha optado por otro personaje que actúa de alivio cómico, tanto en su personalidad como en su forma de interpretar los textos. Mi puntuación: 6,5 sobre 10. “César debe morir” se estrenó ayer viernes en las salas de toda España.

CUESTIONARIO A NEREA GARMENDIA, ELOY AZORÍN, MARÍA LEÓN Y MANUELA VELLÉS

Con motivo del estreno de “FIN” este martes en los cines Callao, en el contexto de la Premiere Week de Madrid, realizamos un cuestionario sobre temas que se tratan en la película a varios de los asistentes que se trasladaron hasta allí: Nerea Garmendia (“Los Hombres de Paco”), Eloy Azorín (“Gran Hotel” o “Aída”), María León (“Con el culo al aire”) y Manuela Vellés (“Hispania”).

En la película, los protagonistas van desapareciendo uno a uno. ¿Ha habido algún momento que recuerdes en que hayas querido desaparecer? ¿Cuál sería tu lugar ideal para hacerlo?
Nerea Garmendia: El lugar ideal para desaparecer… es que suena muy profundo pero… es aquel en el que estoy feliz. Y este lugar es con mi gente, comiendo un buen chuletón, y donde voy siempre, que es a mi tierra, a San Sebastián. Creo que ese es el mejor sitio para perderse. El sitio que conoces, y en el que te sientes como en casa.
Eloy Azorín: Pues me acuerdo una vez que había mucha gente en Arganzuela y estaba todo “petado” porque era San Isidro, y pasé un poco de agorafobia ahí con toda la peña. Y el lugar al que me gustaría desaparecer sería mi casa; no tengo ningún sitio más especial que ese.
María León: Pues sí, de hecho hace un momento he querido desaparecer ahí en el photocall… por vergüenza. Me acuerdo por ejemplo una vez en Gran Vía me quedé sin un jersey, una camiseta que se me cayó, y quise morirme, y dije “Por Dios, ¿Qué hago yo aquí, en medio de todo esto?”. ¿Y dónde me hubiera gustado irme en ese momento? Pues a mi casa, que es donde más a gusto está uno.
Manuela Vellés: Muchas veces he querido desaparecer en momentos concretos, y para que se me pase necesito silencio, espacio, relajarme, y luego ya vuelvo a la carga otra vez. Como todos, yo creo.

Los personajes de la película que se pierden, estaban ya perdidos en sus vidas. ¿Qué es para ti el miedo a perderte física o emocionalmente?
Nerea Garmendia: No te puedo decir un caso en concreto… Pero cuando me pasa esto, cuando me pierdo a mi misma, intento serenarme, quedarme conmigo misma, pensar por qué me he perdido, cuáles son los motivos, y sobretodo intentar resolver los problemas. Si te has perdido, la cuestión es intentar encontrar tu lugar en el mundo, pensar en el motivo por el que te hayas perdido. Tan fácil como eso. (Risas) La pregunta es muy profunda, pero al final creo que hay que ser prácticos.
Eloy Azorín: ¿Perderme como persona? Alguna vez en el escenario haciendo teatro me he perdido en algún momento y he dicho “quiero desaparecer”. Pero en general no tengo esta sensación de perderme. Puedo tener mis dudas, pero creo que no acabo de perderme.
María León: Para mí perderse significa ser libre. Perderse es hacer lo que uno buenamente quiera, que muchas veces nos cuesta mucho, tal vez demasiado.
Manuela Vellés: Para mi perderme consistiría en el momento en que pierda a mi familia, a la gente que quiera, por ejemplo. Ese sería el momento más terrible en el que me sentiría perdida.

¿Qué opinión te merecen los rencuentros con antiguos amigos o antiguos alumnos?
Nerea Garmendia: A mí me encantan. Yo soy además muy de “remember”. Me encanta juntarme con la gente que no puedes seguir sus vidas, con quien no puedes estar en el día a día porque cada uno tiene su rutina, tiene sus cosas, y por eso me encantan los rencuentros. Te dan muchas sorpresas y te dejan ver como cada uno va madurando a lo largo de la vida. Igual quedas con el compañero de clase de cuando tenías doce años, y de repentes dices “¡Guau! ¿Cómo ha cambiado física, mental y espiritualmente, no?”. Es genial.
Eloy Azorín: No soy muy fan de esas reuniones. Porque me suena como a “¿Hello?”, ¿no? (Risas) Me suena como a que si no se han reunido en diez años, por qué se reúnen ahora… Soy más fan de la gente que se reúne constantemente. Lo otro me parece del rollo de “hace diez años que no nos vemos, vamos a rencontrarnos”, es como “si desde hace diez años no nos hemos vistos, es por algo, ¿no?”.
María León: Me parece fabuloso, porque eso hace muchas veces recordar quiénes somos y dónde estamos, y que evolución hemos tenido. Está bien conservar a los amigos, sobretodo, porque eso significaría que no hemos hecho las cosas muy malamente (Risas). Y reunirte con ellos siempre es bonito, ¿no?
Manuela Vellés: Una maravilla. Yo he visto a mi madre o a mi abuela reunirse con gente así y lo que hace es parecer que ha pasado muchísimo tiempo y que eres viejo, pero no sé, eso también está muy bien, porque es gente que hace mucho que no ves.

La trama de la película es postapocalíptica. ¿Cómo te imaginas el fin del mundo?
Nerea Garmendia: ¿Sabes lo que pasa? Que nos lo han pintado de tantas maneras que al final no nos dejan lugar a la imaginación. Es un poco como cuando te preguntan como te imaginas el infierno, ¿no? Lo primero que visualizas es un sitio con mucho fuego. Y cuando piensas en el fin del mundo pues te imaginas explosiones, que va a venir una bola de fuego, o un tsunami… (Risas) Pero yo me lo imagino como cuando apagas el televisor, que hace así como “ggggssssssshhhh” y se ve un puntito blanco y se queda todo en negro. Yo creo que sería algo así.
Eloy Azorín: No me lo he imaginado, la verdad. Pero estaría bien un buen humorista contando un buen chiste, sería cojonudo para terminar el mundo. Soy fan de Louis C.K., que es un humorista americano que me gusta mucho, o Ricky Gervais que también me gusta bastante, o Berto. (Piensa) Berto, por ejemplo, podría hacer un buen monólogo para que se acabe el mundo, ¿no? Y que los últimos quince minutos fueran su monólogo, y a partir de ahí pues “a tomar por el culo”.
María León: No me lo he imaginado nunca, pero sí me pongo a imaginarlo supongo que esto pega un pelotazo y que no nos enteramos ni Dios. O eso espero, al menos.
Manuela Vellés: Pues de ser así me gustaría no enterarme, y que pasara sin más, sin haberlo sabido.


* En unos días, la segunda parte del cuestionario, con Lucía Ramos, Antonio Garrido y Ana María Polvorosa.

CINEASTAS EN ACCIÓN

La ONG Cineastas en Acción celebra el próximo viernes 23 de noviembre en la Sala Juglar (C/Lavapiés, 37) el I Encuentro solidario de profesionales del audiovisual español, coincidiendo con el segundo aniversario de la organización en cuestión.

Se trata de una bonita iniciativa en la que se contará para la ocasión con varios de los conocidos actores y artistas que apoyan a esta ONG. Participan entre otros Paco Tous, Raúl Arévalo, Paco Marín, Miryam Gallego, Carmen Ruíz, Marcial Álvarez, Diego Martín, Pilar Punzano, Daniel Guzmán, María León y el grupo musical “The Sweet Vandals”. El objetivo de este acto es crear un punto de encuentro para los profesionales del sector en el que se intercambien experiencias y conocimientos y se den a conocer ofertas de trabajo y nuevos proyectos audiovisuales independientes. Al mismo tiempo, queremos sensibilizar a los mismos sobre la importancia de su papel en un mundo dominado por la información y las imágenes, y animarles a compartir en los próximos proyectos de la ONG sus conocimientos con los chicos del continente africano. 

El evento comenzará a las 21:00 h. con el photocall; luego tendrá lugar la inauguración del acto por parte de Federica Romeo, presidenta de Cineastas en Acción y la degustación de un cóctel senegalés. Además, se estrenará  el cortometraje documental “El cuaderno de fotografía de Jules Matar”.  Finalmente a las 23:00 h. el grupo “The Sweet Vandals” dará un concierto para todos los asistentes que se hayan pasado por allí. Así pues, todo el que se acerque a esta noble iniciativa, será bienvenido. La participación al evento es por invitación, con un precio de diez euros, cuya recaudación se destinará íntegra a este proyecto. Puedes pedir tu invitación escribiendo info@cineastasenaccion.org o llamando al 696.23.68.21. ¡Animaros!

F I N

Un grupo de amigos se reúne para rememorar la noche que vivieron quince años antes en un refugio de montaña. Todos recuerdan lo que pasó la última vez que se juntaron, que no acabó como ellos hubieran deseado. Tras un inesperado apagón, descubren que las estrellas brillan más de lo habitual. A la mañana siguiente, uno de ellos desaparece sin dejar rastro...

Jorge Torregrosa nos presenta un producto cuyo argumento me parece por un lado bastante gratuito, que no se puede achacar ni al director ni al guionista ya que viene de una novela de éxito, en la que la gente va desapareciendo paulatinamente sin ninguna explicación. Como no se logra dar durante todo el relato una hipótesis plausible, según avanza la trama, dejamos de tener un ejercicio de género de intriga para tener una simple descripción de personajes sin tensión, un retrato del alma humano de un puñado de personajes que eran amigos en la infancia y que comparten un terrible pasado detrás. En esto sí que funciona algo la película, confirmado por un diálogo final entre Félix (Daniel Grao) y Eva (Clara Lago) realmente bello que hace sumar puntos a un cómputo general que se queda pobre. Uno de los puntos que suma es un reparto de férreo encabezado por Daniel Grao (“Luna: El misterio de Calenda”) que aprueba con nota en su primer protagonista en cine, Maribel Verdú como la más mayor del grupo, Carmen Ruíz dando muestras de la versatilidad que atesora como actriz, Clara Lago que siempre es un seguro a pesar de su juventud, una Blanca Romero que tiene muy pocas escenas en pantalla pero con una gran fuerza al transmitir esa amargura vital, el poco conocido Mikel Fernández dando vida al graciosillo del grupo, Antonio Garrido como el esposo en horas bajas de Maribel, y el modelo Andrés Velencoso que paga los nervios de ser novel y no resulta muy acertado. Sin embargo, algunas de las escenas y de los diálogos que comparten al principio del relato, se quedan enormemente vacíos.

El abordar cine de género es siempre un logro, y más sugestivo aún si cabe si tenemos en cuenta que se trata de una trama postapocalíptica, algo prácticamente inédito en la industria española (exceptuando seguramente cortometrajes) y esto se nota en unos paisajes admirables y algunas escenas realmente llamativas; sin embargo, el devenir está falto de intensidad y de giros de guion que alimenten la trama. Esta trama bebe mucho de las fuentes de “Perdidos”, el producto pionero en este tipo de películas en las que una amenaza inquietante nos da pie en forma de excusa para que hablemos de gente perdida, de gente que está frustrada y que tiene muchas cosas que arreglar. En este caso, la necesidad de abordar ese conflicto es más que inminente, ya que en cualquier momento uno de ellos puede desaparecer para siempre, pero algunos conflictos en la película son realmente llanos. Hay personajes mejor trabajados que otros, y otros que simplemente tienen muy poco tiempo para poner su conflicto encima de la mesa, pero me quedo a nivel positivo con el personaje de Maribel Verdú que hace las veces de catalizador de sentimientos; en sentido negativo me quedo con lo poco creíble que es el de Andrés Velencoso, del que no podemos tragarnos su arrepentimiento después de ver su comportamiento díscolo durante toda la película. Hay varios fallos de guion más a mi entender, como la decisión final del personaje de Maribel, y un moverse en dos aguas de la narración (entre la reflexión existencial y el cine de aventura postcapocalíptica). Por todo esto, “F I N” funciona mejor como drama postapocalíptico que como relato de intriga con tintes de terror, porque esa intriga no funciona y simplemente tenemos que disfrutar de los momentos de “acción” peculiar del film. Mi puntuación: 5 sobre 10. “F I N” se estrena el viernes 23 de noviembre en las pantallas españolas.

DEXTER 7X08: LA NECESIDAD DEL HOGAR

"Dexter" empieza a encarar ya la recta final de esta séptima temporada, a falta de cuatro episodios para su conclusión, de forma que hace que dos de los personajes nuevos de esta season sean los que están moldeando con mayor intensidad la situación de Dexter junto a su hermanastra Debra, Y estos no son otros que Isaak Sirko y Hanna McKay.

SPOILERS 7X08
Dexter Morgan (Michael C.Hall) y Hanna McKay (Yvonne Strahovski) continúan esa relación imposible entre dos asesinos en serie que tanto nos impactó hace un par de capítulos, regalándonos momentos de puro humor negro, pero conversaciones tan potentes como la que tienen en este capítulo mientras Dexter disfruta de un momento familiar en la playa: Aquí, se reflexiona sobre la necesidad de encontrar un hogar, una familia, que (no se si muy creíble o no) tienen muy en el fondo de su ser estos dos seres humanos. Sin embargo, es imposible no preguntarse hasta qué punto puede tener estos sentimientos un asesino en serie, que se caracteriza precisamente por no tener una mínima empatía por sus semejantes. A este respecto, encontramos también a Isaak Sirko (Ray Stevenson), que se nos revela como un enamorado de su compañero de mafia, haciendo que lo que creíamos una vendetta por códigos de su hermandad se vea transformada en una vendetta por amor, y de nuevo tenemos una conversación explosiva entre estos dos personajes en los que vemos que ambos han amado a una persona, que protegerían por encima de que fuera mala persona o se mereciera algo terrible. Otra vez, vuelve a surgir una pregunta parecida: ¿Qué tipo de amor puede albergar un asesino en serie?

Este ha sido el episodio en el que, después de una larga ausencia, han reaparecido Astor (Christina Robinson) y Cody (Preston Bailey), los hijastros de Dexter, que han servido para fortalecer en Dexter y en el argumento del episodio este sentimiento de “hogar y familia” que subyace en muchos de los personajes en el momento en qué se encuentran. En esta reaparición, hemos visto a una Astor que está abandonándose a la marihuana para aliviar todo el estrés acumulado, probablemente por una desestructuración familiar desde que dejaron de estar al lado de Dexter cuando Rita murió, haciendo un interesante paralelismo en forma de conversación entre la adicción de Astor (la marihuana) y la de Dexter (el asesinato). No hay que olvidarse del nuevo giro de tuerca que ha dado la relación entre Debra (Jennifer Carpenter) y Dexter, ya que esta se ha enterado de que su hermanastro rehusó matar a Hannah porque tiene sentimientos por ella, justo en el momento en que la deslenguada teniente le confiesa que está enamorado de él (un giro de personaje que no es santo de mi devoción), y está tan confundida y defraudada que parece no ser capaz ni mirar a la cara a su hermanastro.

Respecto a los demás personajes, se nos ha situado a un Joey Quinn (Desmond Harrington) cada vez más atrapado por la hermandad Koshka, que tiene debajo del brazo una prueba inculpatoria que demostraría que él es el topo de la comisaría; y a una María LaGuerta (Lauren Vélez) que parece haber dado el paso definitivo para situar al Asesino de la Bahía en clara conexión con Dexter. Por tanto, las preguntas que me surgen después de este episodio son: ¿Cuál es el siguiente paso de LaGuerta? ¿Cuánto sospecha realmente de nuestro protagonista? ¿Pondrá en aviso a alguien más de la comisaría? ¿Cómo reaccionará Dexter ante la declaración y el cambio de tercio que ha dado su hermanastra? ¿Confesará Quinn su traición y su vinculación con los Koshka? ¿Seguirá la relación entre Dexter y Hannah en los mismos términos que hasta ahora? Por lo que hemos podido ver en el tráiler, parece ser que Hannah se convertirá en el nuevo objetivo de Isaak, para así hacer salir a Dexter de su madriguera y provocar un duelo mortal entre ambos.

LA IMPORTANCIA DE NO LLAMARSE BARAJAS

Ya en los inicios de “Aída”, Barajas aparecía como uno de los personajes secundarios que pisaban de vez en cuando por el barrio de Esperanza Sur, en concreto como uno de los dos amigos quinquis y faltos de neuronas del Luisma, junto al Tartaja. A partir de ese punto, mientras este segundo personaje desaparecía, Barajas se convertía en el gran apoyo del Luisma en todas sus locas andaduras, que ya no acometía en solitario. Por ello, los creadores de la serie se vieron obligados a dar con él un salto de novedad respecto al Luisma, ya que al darle mayor relevancia, corrían el riesgo de realizar un personaje que cumpliera exactamente la misma función en la serie que Luisma (Paco León), por lo que se vieron obligados a reformularle. Y aquí es donde los guionistas se tuvieron que devanar los sesos y darle una diferenciación que ha sido tanto trabajo de guion como trabajo del propio actor al pillarle el punto al personaje: No se trata ya de un personaje llanamente falto de neuronas, sino un arrastrado emocional y con una tierna carencia afectiva. Barajas es capaz de hacer la locura jamás pensada por diez euros, o de aceptar un insulto despiadado como si fuera un cumplido (del estilo de Luisma confesándole “Si no te lo he dicho es porque no quería compartir el dinero contigo” a lo que él responde “Muchas gracias Luisma. Yo hubiera hecho lo mismo”).

Por ello, han conseguido un personaje tan fuera de serie (en el término más literal de la expresión) y surrealista que a priori podría haber jugado en contra en la ficción, pero las licencias que permite a la hora de involucrarse en todo tipo de tramas hace que no nos fijemos en lo real que puede haber en él, ya que no es un estereotipo sino casi me atrevería a decir un nuevo tipo de categoría de ser humano que prácticamente se han sacado de la manga los guionistas. En estos términos, el Luisma también ha sufrido una evolución, ya que oscila entre dos puntos: algunas veces, es el que pone cierta sensatez (en la medida de lo posible) en la relación tan desternillantemente imposible entre los dos amigos, propiciado también porque el Luisma ahora ya no es el alivio cómico en solitario, sino que se le otorgó y se ha reforzado el elemento de tensión sexual no resuelta, por lo que es lógico que sea más cabal que el personaje de Canco Rodríguez. Por otro lado, en ciertas ocasiones, es el complemento ideal de Barajas, al que iguala en “tierna idiotez” para dar rienda suelta a todo tipo de tramas disparatadas y que solo son posibles en series de este corte. Se trata por tanto de una suerte de reinvención del payaso tonto (Luisma) y el payaso triste (Barajas), integrado en una serie en la que casi todos son estereotipos llevados al extremo.

Para ir terminando, encontramos unos cuantos elementos que hacen de Barajas un personaje inolvidable dentro de la ficción nacional: Por un lado, encontramos la cuestión del nombre. “Barajas” solamente es el apodo de Víctor, una especie de guiño al famoso “Frutero” de “7 vidas”. El personaje de “Aída” se ha nombrado desde el principio por este apodo, sin que el espectador haya sabido el nombre hasta muchos capítulos después de aparecer, pero el punto de originalidad estriba en que en ciertos momentos ni él sabe a ciencia cierta su nombre completo, ya que hace muchísimo tiempo que nadie le interpela como tal (de nuevo, ayuda a crear el carácter del personaje). El otro elemento es la propia evolución del actor en la construcción del personaje: En primer término tenemos el trabajo de la voz, una voz que logra inspirar lástima y ternura, un elemento más de la interpretación que el actor ha integrado en una simbiosis perfecta con su encarnación, al igual que hacen Mariano Peña con su peculiar deje y Miren Ibarguren en su personalidad border line. Por último, encontramos que Canco Rodríguez es un mago de la actuación en segundo término, robando a veces incluso el protagonismo al actor que tiene la frase en esa secuencia (ej: Barajas besando a un esqueleto mientras Luisma habla con Macu), otro punto más que le hace uno de los factores indispensables y en auge de esta serie tan longeva que es “Aída”.

FRINGE 5X07: PERDERSE A SÍ MISMOS

Nos despedimos hasta el 7 de Diciembre con este episodio siete de la ficción, ya que tendremos un parón de tres semanas que nos dejará con la serie superada el ecuador de esta última temporada final. Este ha sido un episodio bastante lento, de reposar, en el que la acción y la intensidad han brillado por su ausencia y se ha intentado remarcar fuertemente el punto emocional en el que se encuentra cada personaje.

SPOILERS 5X07
Por un lado tenemos a Peter (Joshua Jackson), que desde que hace unos episodios se integrara el dispositivo que hace más avanzados tecnológicamente a los Observadores en su sistema, está sufriendo cada vez más las consecuencias de esta cirugía.  Ya hemos visto que se está quedando calvo (al final de este episodio), además de que su percepción de la realidad y del tiempo está cambiando, y ya incluso puede adelantarse inconscientemente a las frases de Olivia (Anna Torv). ¿Hasta que extremo afectarán los efectos secundarios en Peter? ¿Hasta donde llega su sed de venganza? ¿Acabará con Windmark, el plan que parece tener en mente? Por todo esto, Peter sigue en su particular cruzada particular contra los Observadores, sin contar con Olivia y haciendo que esta tenga cada vez más claro que le está perdiendo como ya ocurrió cuando perdieron a Etta. Walter (John Noble), por otro lado, tiene miedo en convertirse en el hombre que era antes y Peter se está convirtiendo en un hombre arrogante y temerario, por lo que el amor que sienten entre los dos y por Olivia es lo que tienen que recuperar tarde o temprano para recuperarse a sí mismos.

En este episodio al que le ha faltado intensidad y acción, pero en este plantar las fichas en el tablero, en el que los sentimientos de cada uno se están asentando y van evolucionando con lentitud, hemos visto reaparecer por fin a Nina Sharp (Blair Brown), que ayuda a nuestro “Fringe Team” a recuperar dos cilindros que serán imprescindibles para el plan de Walter, un plan que todavía desconocemos, pero que probablemente tenga ciertos tintes de juegos temporales. Nina Sharp se la ha vinculado a William Bell fuertemente, haciendo hincapié de nuevo en lo que ocurrió cuando Walter se vio obligado a atraparlos en ámbar tras en apariencia verse traicionados por Bell. El espectador necesita saber a este respecto qué es lo que pasó exactamente, pero supongo que será una carta que se reservan prácticamente para el final de la serie, con la vuelta puntual del actor Leonard Nimoy. Ya casi para acabar, resaltar el tremendo e hilarante detalle muy “Walter style” del robo de William del disco de David Bowie, que pone en su tocadiscos al final del episodio. Por tanto, el “Fringe Team” sigue dando pasos hacia la consecución del plan para derrotar a sus antagonistas naturales, con un Peter cada vez más temerario y un Walter que incluso ha pedido a Nina que le quite parte de su cerebro temiendo su propia personalidad emergente. ¿Cuál será el siguiente paso de nuestros protagonistas? ¿Entraremos en breve en una especie de ejercicio temporal en forma de guerra? ¿Qué ocurrirá con Peter? Todo esto, lo veremos dentro de unos veinte días.

ENTREVISTA A ADRIANA UGARTE

Con motivo de la presentación del rodaje de la película “Combustión”, lo nuevo de Daniel Calparsoro, entrevistamos a su actriz protagonista, Adriana Ugarte (“La señora”, “El tiempo entre costuras” o “Lo mejor de Eva”), que da vida a Ari, la suerte de femme fatale del film y que pondrá al límite a los personajes de Alberto Ammann y Álex González.

¿Qué reto suponía interpretar a Ari, tu personaje en la película?
Yo creo que en Ari lo más importante era no interpretarla como una chica bipolar. Ari es una superviviente, tiene claro que el riesgo le gusta, le gusta la velocidad y la adrenalina, pero lo que no le gusta es esconderse. Ella quiere disfrutar, y la vida con miedo se disfruta la mitad.
¿Qué preparación llevaste a cabo para ello?
Ari tenía que estar bastante seca de líneas, muy estilizada. Porque es una tía que se curte mucho en el gimnasio, y que tiene que estar muy disponible para ligar, porque va a ser la seducción el primer arma para mantener el taller abierto, para pagar las facturas… Al contrario que mis compañeros Alberto y Álex, yo no di clases de conducción temeraria, a mi no me dejaron (risas), pero ellos lo disfrutaron mucho.
¿Cómo ha sido rodar con Daniel Calapsoro?
Pues para mi ha sido uno de los alicientes para haberme involucrado en el proyecto. Daniel tiene muy claro lo que quiere hacer. No te lleva a lo que él quiere desde una especie de forzar las tuercas desde el punto de vista emocional, desde una cosa insana, sino que te intenta hacer entrar en razón desde una lógica. No te dice “Uy, que exagerado, esto no lo hagas así”, que no suele ayudar nada al actor, sino que igual te dice “Pues vale, ahora vamos a probar con esto, a ver que tal funciona de esta manera…”.
¿Para ti cuales son los puntos fuertes del film?
Para mí, creo que la autenticidad. Creo que los personajes son muy potentes, más allá de que la estética sea muy chula. Porque a veces una estética tan bonita hace como que la historia sea un poco irreal y que quede solo en la superficie… (Piensa) Creo que Daniel ha luchado por presentar un caramelo con un papel increíble, pero un caramelo que fuera muy rico, y que fuera muy de verdad, y que le quisieras comer una y otra vez. Los personajes, según las impresiones que estoy teniendo, van a ser muy humanos.
¿Qué tipo de humanidad veremos en Ari?
Ari no es una chica que la vas a ver solo como la típica que se posa delante del coche... no. Es una tía que se va a ver con muchas caras. Y yo creo que eso es lo bonito de Ari además, que de repente ves la peli y dices “un momento, ¿esta es la misma que ésta, y que ésta, y que ésta otra?” Tiene como siete caras en la película. Es muy distinta, está muy cuidada, y muy estudiada. Yo creo que es un personaje muy asentado y esto es una virtud. Creo que es una película muy de verdad.
¿Cuál crees que es el nexo de unión que subyace entre todas las caras que se van a ver de Ari?
Sobre todo es el afán de libertad. No va a ser una chica que de repente le encante la velocidad, la adrenalina y el sadismo; y luego sea una pacata en su vida. Cuando está trabajando y cuando está viviendo, es al límite. Es una hedonista en todos los polos. Hay un nexo de unión muy bueno y es que ella probablemente provenga de Valencia, y probablemente provenga de un barrio, de una clase media-baja, y esto sí que lo hemos marcado mucho en Ari: No vocaliza perfectamente, no tiene maneras, y es de naturaleza violenta. En su interior, ella es una chica que no ha digerido muy bien la violencia en su vida.

PRESENTACIÓN DE RODAJE: "COMBUSTIÓN"

Mikel (Alex González) está a punto de casarse con Julia (María Castro), dueña de una importante joyería heredada de sus padres. En la fiesta del anuncio de boda, Mikel conoce a Ari (Adriana Ugarte), una de las camareras del catering. Entre ellos surge una inmediata atracción. Y aunque el chico intentará controlar ese deseo, acabará cayendo en sus brazos. Poco a poco se irá sintiendo más enganchado a ella y más fascinado por su mundo, que no es otro que el de las carreras ilegales de coches, y que despertará el lado más salvaje de Mikel. Lo que el chico no sabe es que todo forma parte de un plan elaborado por Ari y su novio Navas (Alberto Ammann).


Esta es la premisa argumental de una película cuyo rodaje se ha presentado este viernes delante de centenares de periodistas y fotógrafos. El equipo del film nos recibe en uno de los set de rodaje que consiste en un viejo taller donde los personajes de Álex González, Adriana Ugarte y Alberto Amman mantienen una acalorada disputa. “Combustión” es lo nuevo y adrenalítico de Daniel Calparsoro, director conocido por tele-movies como “La ira”, “Tormenta” o “El castigo” y el thriller de acción “Invasor”, que se estrena dentro de unos días. Se trata de una película de acción y violencia en la que las carreras ilegales de coches forman parte intrínseca de la historia, pero tal y como advierte su director “se da muchísima importancia a la historia, a los personajes, pero por otro lado también tenemos carreras de coches”. Daniel Calparsoro, parece haber demostrado que es uno de los directores mejor preparados para abordar este tipo de proyectos tan típicamente americanos, como sus actores se encargan de afirmar: “Creo que Daniel es la mejor o una de las mejores personas en España para hacer cine de acción, para mostrar violencia y que te la creas. Es un ejemplo de americano al uso, que puede con el factor humano de la trama y con setecientos caballos en el porsche de carbono” dice Adriana Ugarte bromeando. “Daniel Calparsoro es muy americano y además hace un balance muy bueno: hace la película que quiere hacer, sin renunciar lo que él siente, pero además teniendo en cuenta de que el producto va dirigido a un público” reitera Álex González.

En esta trama tan automovilística, tanto Alberto Ammann como Álex González dieron clases de conducción temeraria. Para Alberto lo más divertido fue “aprender a hacer trompos y a darte cuenta de los límites del coche. Que además te da una seguridad por si de repente tienes un imprevisto real, poder tener la destreza o la habilidad para salir airoso. Es un aprendizaje que piensas que te puede servir, y además era una especie de deseo adolescente que perdura”. Álex, por otro lado, recalca el papel que tienen los vehículos que conducen con respecto a los personajes ya que “los coches que utilizan los personajes pueden ser metáfora de su personalidad. Por ejemplo el mío es aparentemente familiar, pero también tiene 500 caballos. Yo aparentemente tengo una vida que parece que soy bueno y Navas es el malo, pero por dentro soy una fiera, que según avanza la película va despertando. Que es un poco como le pasa a este coche”. Por último, los actores nos dan las claves de sus personajes: Para Adriana, “Ari es la primera vez en mi vida que me permite no hacer un personaje que es la buenaza, sino abordar un personaje con una moral dudosa. Alguien que es una destroyer desde el principio”. El personaje de Alberto Ammann en palabras de su intérprete es “el que tiene una cuota de oscuridad más grande en la película. Un manipulador y un egoísta solitario, un encantador de serpientes y un vende humo”. Para terminar, Álex González define a su personaje como “un tipo con muchos secretos. Y de hecho aprendo de él que al final los personajes se cuentan más por lo que ocultan que por lo que cuentan, y en el caso de Mikel es paradigmático”. Por lo tanto, ¿Te vas a perder “Combustión”, lo nuevo de Daniel Calparsoro?