VIVE DENTRO

Sam (Megan Suri), una adolescente india-estadounidense, vive en un suburbio idílico con sus padres. Las inseguridades culturales de Sam crecen debido a su amiga, Tamira (Mohana Krishnan), quien lleva consigo un misterioso frasco todo el tiempo. En un momento de ira, Sam rompe el frasco de Tamira y desata una antigua fuerza demoníaca india que secuestra a Tamira. Sam busca a Tamira, siguiendo el rastro de un joven que realizó un ritual mortal, hasta que la entidad demoníaca comienza a atacarla, asesinando a su novio y destrozando su realidad con visiones aterradoras.

Llevo años con una sensación de desencanto con respecto a las películas de terror. Normalmente, no consigo llevarme más que un par de sustos derivados de alguna subida aleatoria o no aleatoria del volumen de la música, algún portazo, o algún brusco movimiento o bien de personaje o bien de cámara. Llevo tiempo buscando una historia que me genere ansiedad, que me atrape, que me haga entrar de lleno en el desasosiego del personaje protagonista. Esta tampoco ha sido la afortunada. El director, Bishal Dutta, intenta aquí recoger una leyenda tradicional hindú para contar también una historia sobre el desarraigo, sobre la dificultad de encajar en una nueva sociedad, el cambiante y difícil sentido de pertenencia… no es un mal punto de partida, pero el núcleo central de la historia de terror se llena muy rápidamente de clichés.

El centro de todo el mal que emerge en la película viene de un ente demoniaco del que vamos descubriendo poco a poco su origen, esta tradicional historia de la mitología hindú, pero del que se da pinceladas bastante caóticas. Lo único de lo que el espectador es testigo es de que se le puede meter en un tarro, que cuando sale se alimenta de los sentimientos negativos y ataca indiscriminadamente para alimentarse de esos sentimientos. De ahí la metáfora sobre las víctimas que ha elegido para seguir su periplo de ente demoniaco: dos amigas que dejaron de ser amigas por la presión que ejercía una nueva cultura y un nuevo país en sus personalidades. En resumen, una idea sencilla pero noble se ve lastrada por ciertos giros trillados, y arcos de personaje oportunistas, como el de la madre de la protagonista, que hace de poli malo en la dupla paternal, para al momento aceptar la versión sobre el demonio que le da su hija a pies juntillas. Mi puntuación: 5 sobre 10. “Vive dentro” se estrena este viernes 26 de enero en las salas españolas.

Crítica de Héctor Izquierdo.

EL CUCO

Marc (Jorge Suquet) y Anna (Belén Cuesta) embarazada de ocho meses, deciden irse de vacaciones a Alemania, y para ello intercambian su casa de Barcelona con Hans (Rainer Reiners) y Olga (Hildegard Schroedter) a través de Internet. La apariencia dulce de esta pareja de jubilados está enmascarada con otros planes, convirtiendo la experiencia en una pesadilla para Marc y Anna. 

La nueva cinta de Mar Targarona (El fotógrafo de Mauthausen, 2018 o Dos, 2021) nos hace reflexionar en torno al concepto de que no todo es como aparenta, y que, a veces, las primeras apariencias engañan. Este thriller de terror parte con una buena premisa, una trama que inicialmente atrapa, pero que a medida que avanza pierde fuerza, y crea situaciones de acción un tanto forzadas. Sin embargo, la naturalidad e inmejorable interpretación del elenco, entre ellos la incombustible Belén Cuesta y el siempre cumplidor Jorque Suquet, hace que empaticemos con todos ellos y queramos saber cómo se las van a ingeniar para seguir con sus planes.

“El Cuco”, producida por El Pájaro Cuco AIE, Rodar y Rodar y Barry Films se estrenó en la Sección Málaga Premiere el 17 de marzo, y en Suiza en el Neuchâtel International Film Festival el 2 de julio. Tiene una duración de 1h 38 minutos, y está rodada en español y en alemán. Mi puntuación: 4,5 sobre 10. "El cuco" se estrena este viernes 15 de septiembre en los cines españoles de la mano de Filmax.

Crítica de: Luz Gallardo-Franco.

COHERENCE

Una reunión de viejos amigos la misma noche en que un cometa pasa próximo a la atmósfera desembocará en una serie de situaciones extrañas. Em (Emily Baldoni) parece ser la única que está preocupada por lo que puede desencadenar el paso del cuerpo celeste basándose en un caso previo acaecido en Finlandia en el año 1923 que llevó a la población a desconcertarse y perderse sin una explicación aparente.

James Ward Byrkit dirige su primer largometraje demostrando una frescura y un manejo de los recursos narrativos muy interesante. Con un presupuesto de menos de cincuenta mil dólares y rodada en solo cinco días, “Coherence” tiene una frescura y se arriesga como muy pocas películas. Basada en una única localización y un pequeño grupo de actores todo el peso de la cinta recae en el guión, una historia de ciencia-ficción que remite a cuestiones básicas de las que casi todo el mundo ha oído hablar pero llevándolas hasta unos extremos realmente siniestros. Por lo inesperado de la propuesta obtuvo los premios al mejor guión en el Festival de Sitges y el Fantastic Fest de Austin en el 2013. La tensión en aumento que consigue, así como el desconocimiento de la situación por parte de los personajes logra momentos potentísimos de thriller muy bien coreografiados y aguantados por unos intérpretes que no parecen saber qué viene a continuación. Emily Baldoni es la única a la que vemos en todo momento y funciona como hilo conductor, aunque llega a dudarse incluso de que auténticamente mantenga esa continuidad en su papel dentro de esta trama en la que nada es lo que parece.

El paso del cometa provoca una serie de acontecimientos que son desconocidos y sobre los que todo lo que se puede deducir es lo que saben los personajes a título particular. A partir de la primera alteración que surge cuando se va la luz en el vecindario donde están reunidos los personajes, su reacción será salir a un entorno totalmente oscuro sin ninguna referencia salvo su propia casa y ninguna más. Al darse cuenta de que el único lugar al que pueden llegar es otra casa igual que la suya el cuestionamiento de la realidad parece haberles hecho creer que se han perdido y han dado la vuelta en redondo sin prentenderlo. Pero más adelante quedará claro que existe más de una casa igual con más de una versión de cada uno de los presentes, lo que les llevará a dudar constantemente unos de otros. Aquí se plantea la teoría del gato de Schrödinger, según la cual cada versión del mundo coexistirá mientras dure el fenómeno cósmico como diferentes posibilidades hasta desembocar en una única concepción posterior. Cada grupo de gente que en teoría son los mismos pero viven acontecimientos diferentes se diferencian con un color, lo cual desembocará en la duda de si existen aún más universos alternativos con infinitas posibilidades. Mi puntuación: 8 sobre 10. “Coherence” se estrenó el pasado día 24 de octubre en las salas españolas.

Crítica de Sergio Cardete.

BLACK COAL

Ante la aparición de restos humanos por distintas canteras, el detective Zhang (Liao Fan) investiga el crimen donde un tiroteo con los principales sospechosos lo deja herido y se ve obligado a abandonar el cuerpo de policía y la investigación. Cinco años después vuelve a reabrirse el caso cuando aparecen nuevas víctimas y el asesino parece actuar con el mismo modus operandi.

Diao Yinan dirige y escribe su tercera película ambientada en una zona puramente industrializada y poco conocida de China donde rige la ley de la selva, la población tiene un amplio acceso a armas y la policía son los únicos que deben combatir la delincuencia y la criminalidad en un entorno que no les respeta. “Black Coal” obtuvo el León de Oro en el último Festival de Berlín, además del premio al mejor actor en dicho certamen para Liao Fan. La propuesta se sale de lo habitual en este tipo de productos orientales, donde teniendo en cuenta el tema central de la trama se podría esperar un tratamiento visual mucho más violento y explícito, pero que aquí opta por secuencias donde quedan implícitos los asesinatos y casi no se ve sangre. La región que nos muestra es una China profunda y empobrecida sumida en el caos, donde no se respeta ningún tipo de vínculo social y no existe la ley. Una denuncia hacia el abandono de las zonas poco desarrolladas del país y que el estado ignora porque ya no le interesan en el extraño proceso de transformación al capitalismo que experimenta el gigante asiático.

El apartado centrado en la investigación y los asesinatos en serie que se están produciendo es lo más llamativo de la película, que por otro lado resulta confusa y no tiene un camino claro probablemente como paralelismo con la pérdida de humanidad en los personajes. Cuando aparecen nuevas víctimas, todas ellas relacionadas con la viuda de la primera, empieza un juego de mentiras y falsos culpables que acabará muy mal. El modus operandi del asesino se repite como años atrás y vuelve a dedicarse a descuartizar los cadáveres repartiendo partes de los cuerpos por toda la provincia valiéndose de las vías de transporte de mercancías establecidas por el sistema central chino, así es más complicado de rastrear el origen de los fallecidos y su posible vínculo. Tras comprobar que todos ellos tienen conexión con una misma mujer, Zhang se acercará demasiado a ella hasta entablar una relación sentimental donde ambos se guardan sus cartas. La falta de unos protocolos más avanzados en el cuerpo de policía descartan a ciertos implicados como potenciales sospechosos que luego resultarán en más muertes. Mi valoración: 5 sobre 10. “Black Coal” se estrena el 3 de octubre en las salas españolas.

UNA VIDA EN TRES DÍAS

Verano de 1987. Adèle (Kate Winslet), una mujer recién divorciada, ha perdido la autoestima tras la marcha de su marido. Su hijo Henry, un chico de trece años, se esfuerza por ser el hombre de la casa y cuidar de su solitaria madre en pleno torbellino de la adolescencia. Un día, conocen en un supermercado a un hombre (Josh Broslin) que les pide que lo alojen en su casa, pero resulta ser un fugitivo en busca y captura. El interminable fin de semana del "Labor Day" les marcará para el resto de sus vidas.

La película de Jason Reitman ("Young adult" y "Juno"), basada en la novela de Joyce Maynard, es todo lo edulcorada que puede ser la novela -y que puede que en dicho género funcione por poderse meter en la psicología tanto del personaje de Broslin como del de Winslet- pero que nunca debería suceder así. La mala construcción en el personaje del fugitivo, hace que todo intento por crear una historia creíble caiga por su propio peso: la sucesión de estereotipos con el que se le dibuja al hombre en su convivencia con madre e hijo, ayudando a este último a jugar al beisbol, arreglando los bajos de la camioneta, ayudando en el huerto, preparando entre los tres una tarta... son sitios comunes tan de comic de humor que resta verosimilitud al conjunto. Por esto y por alguna cosa más, es este sin duda un tropiezo en la carrera del director, después de sorprendernos con la irreverencia hipster de "Juno" y de plantearnos un conflicto potente y bien trabajado en "Young adult".

El personaje central, defendido con orgullo y dignidad aun así por el fantástico Josh Broslin, pero se debería haber dado cuenta desde el guion que su rol es tan encantador, cuando lo más potente hubiera sido mostrar las sombras -no solo los claros edulcorados- que se presuponen a un personaje que acaba de fugarse de la cárcel. Estas contradicciones, no ayudan tampoco, aunque sí se entiende por ello que el personaje de Kate Winslet caiga en sus garras tan deprisa, en un momento tan vulnerable en el que se encuentra. El suspense emocional que se crea ante la aparición de elementos externos que amenazan con descubrir la tapadera del fugitivo funciona como momentos aislados, pero no encaja en la trama con fluidez. Como nota curiosa, encontramos en el reparto a nombres conocidos como el de Tobey Maguire o James Van Der Beek. Mi puntuación: 4,5 sobre 10. "Una vida en tres días" se estrenó el pasado viernes en las salas españolas.

PRESENTIMIENTOS

Julia (Marta Etura) y Félix (Eduardo Noriega) son una pareja de clase media, cuya relación atraviesa un momento delicado. La idea de irse unos días de vacaciones a la playa puede ser la oportunidad que necesitan para recomponer su relación y volverse a enamorar. Al llegar a la urbanización discuten y Julia sale con el coche. Es de noche, el violento estruendo de un accidente le hace parar en el arcén y salir a averiguar qué ha pasado. Al volver al coche descubre que le han robado el bolso con la documentación, el dinero y el móvil. Por si fuera poco, no encuentra el camino a la urbanización, se ha perdido. Comienza así el angustioso peregrinar de Julia y Félix buscándose mutuamente en un paisaje desconocido para ambos.

Se trata ésta de una película que no tiene nada que ver con la ópera prima del director, “Vida y color”, ya que en esta ocasión se atreve con un thriller romántico con tintes psicológicos que tiene el valor de introducirse en el mundo de los sueños. En resumen, es una historia sobre lo que pasa en la pareja cuando de repente entra lo ordinario y lo cotidiano, cuando la magia se empieza a romper. Este argumento tan poco original se reviste de un envoltorio poco común, ya que mientras se nos cuenta la lucha del marido por entender todo lo que está pasando a su alrededor, la mujer lo hace a su manera dentro de un sueño, luchando por sobrevivir. El guion es del director Juan Taberner pero también de Eduardo Noriega. Contradictoriamente, el personaje de Marta Etura está mucho más definido que el de Noriega, ya que parece que intenta no juzgarle pero a la vez le necesita dotar de ciertas acciones que le hacen el malo de la película en muchos momentos. En esta incapacidad para salirse Noriega de las necesidades del actor, que no comparte lógicamente con el guionista, creo que está uno de los fallos del film, a no ser que el origen del personaje parta totalmente de la novela.

A nivel interpretativo, está mucho mejor Marta Etura que Eduardo Noriega. A este segundo se le vuelven a notar las carencias interpretativas, expresando muy poco cuando más lo necesita, aunque revelando cierta vis cómica-romántica que puede potenciar en futuros proyectos. Marta Etura consigue transmitir esa sensación de apatismo que tiene que reflejar en sus escenas con su marido, y por otro lado el desconcierto y complejidad de sentimientos del mundo onírico. El reparto lo completan otros nombres tan variados como los de Alfonso Bassavé, Irene Escolar o el anglosajón Jack Taylor. En el apartado musical, encontramos al grupo Russian Red, que pone la banda sonora de la cinta, pasando sorprendentemente de ser un elemento musical extradiegético para formar parte de la narración de una forma muy particular. Mi puntuación: 6,5 sobre 10. “Presentimientos”, que se prestrenó en esta nueva edición de la Seminci, se estrena este viernes 24 de enero en las salas de toda España.

SÉPTIMO

Un padre y sus dos hijos juegan a ver quién llega primero a la calle desde un séptimo piso: si el padre en el ascensor o los niños por las escaleras. Cuando el padre llega a la planta baja, resulta que los niños no aparecen, no hay ni rastro de ellos. Empieza entonces una búsqueda frenética por parte del padre (Ricardo Darín) y la madre (Belén Rueda).

Estamos ante una película bastante digna, dirigida por Patxi Amezcua (“25 kilates”), con una factura técnica notable y con una dirección de actores muy bien conseguida, aunque teniendo a dos monstruos de la interpretación de protagonistas como lo son el argentino Ricardo Darín y la patria Belén Rueda seguramente la empresa tenía muchas opciones de salir victoriosa. Sin embargo, hay varios elementos que hacen que ésta no sea una película más valiosa de lo que podría ser: por un lado, la sensación que se ve argumentada por la sucesión rutinaria de falsos sospechosos sin demasiado empaque, de que ésta es una historia interesante pero que en realidad no daba para una película. La segunda, que su clímax, se ve venir con bastante facilidad, además de estar sembrado con ciertas trampas de guion que caen por su propio peso, pero también es cierto que cada vez es más complicado sorprender en esto de la intriga y del suspense en el cine.

La agradecida –a nivel de producción y presupuesto- economía de localizaciones me hace recordar a producciones como “El cuerpo” (con el que también comparte un común sentido de la intriga y el suspense) o como “REC” (un edificio y las escaleras que unen los pisos como eje de situación). La trama se desarrolla enteramente en Argentina, y uno de los hándicaps para el visionado del espectador español lo encontramos en el idioma: a veces, las expresiones tan típicas del país latinoamericano hacen difícil la comprensión de los diálogos, aunque el argumento general se sigue con facilidad; sin embargo, esta cuestión del idioma puede privar al espectador de ciertos detalles que son los que están sembrando la resolución de la historia. Mi puntuación: 6,5 sobre 10. “Séptimo” se estrena mañana viernes 8 de noviembre en las salas españolas.

GRAND PIANO

Un pianista (Elijah Wood), que vuelve a los escenarios tras cinco años después de haber fallado ante el público en una de las piezas más complicadas de tocar, se sienta al piano y se encuentra una nota amenazadora en la que se le obliga a ejecutar el mejor concierto de su vida si quiere salvar su vida y la de su esposa.

Nos encontramos ante una producción en ocasiones hipnótica y en ocasiones provocadora, en cuanto al uso de ciertas herramientas, pero sobretodo en ciertos momentos de comedia buscada que te hacen dudar si estamos ante una extravagancia o ante una genialidad. “Grand Piano” es un thriller con cierto parecido a la notable “La última llamada”, que funciona bastante eficientemente en casi toda su ejecución como si de una gran pieza musical se tratase. Eugenio Mira, director de la también sugestiva “Agnosia” apuesta en este caso por una película que descansa en gran medida en su guion, así como lo hicieran películas como puede ser “Buried” del aquí productor Rodrigo Cortés, por lo que se puede ver el toque característico que aporta el director de la cinta protagonizada por Ryan Reynolds. Con muy pocos elementos, como sucediera con la ya mencionada cinta claustrofóbica, consigue crear una atmósfera de tensión que se ve acrecentada en su factura por una estética tan atractiva como la que nos ofrece el interior de un teatro de conciertos.

Aunque la película es española, ésta tiene un reparto enteramente estadounidense. Por un lado, encontramos a Elijah Wood como protagonista, que mantiene la compostura ante este envite, revelando una gran formación pianística y una combinación notable de registros. John Cusack, siguiendo el paralelismo con “Última llamada”, ejercería aquí de Kiefer Sutherland, es decir, de antagonista que presta poco más que su voz, pero que tiene un papel crucial en el conflicto. El resto del reparto son caras poco conocidas para el público español que ni brillan ni desmerecen, formando parte del conjunto armónico que nos propone el argumento. Como curiosidad, mencionar que uno de los personajes más puntuales –al ver la película el espectador entenderá hasta qué punto- está interpretado por Jack Taylor, actor anglosajón pero que hemos podido disfrutar aquí en series como “La fuga”. Debe ser también alabada la gran planificación y como está rodada con un pulso frenético, con una utilización más que peculiar de la  música, tanto intradiegética como extradiegética. Mi puntuación: 6,5 sobre 10. “Grand Piano”, prestrenado en el Festival de Sitges, se estrena el 25 de octubre en las salas de toda España.