UN REGALO PARA PAPÁ Y MAMÁ

Taylor, el pequeño de la familia, descubre que puede manipular el tiempo utilizando el extravagante reloj de pared que ha heredado de su abuelo. Con la ayuda de sus hermanos mayores, regresará una y otra vez al día en que sus padres (Greg Kinnear e Isla Fisher) les anunciaron su separación con la esperanza de poder cambiar el destino de la familia.

Christian Ditter, conocido por “Los imprevistos del amor,” dirige esta cinta basada en un guion de Jay Martel, en la que una familia se enfrenta a un juicio emocional a través de viajes en el tiempo. La premisa es sencilla y se presenta sin rodeos: en apenas tres minutos de película, ya queda claro que los padres están a punto de separarse, mientras que su hijo menor busca desesperadamente una forma de evitarlo. ¿Su herramienta? Un antiguo reloj heredado que, por casualidad, le permite retroceder 12 horas en el tiempo. Este artefacto sirve como el motor narrativo que nos permite ver los múltiples intentos de los hijos por alterar el curso de los acontecimientos. La secuencia de bucles temporales, al estilo de “Atrapado en el tiempo,” funciona bien, ofreciendo una visión de los hechos desde la perspectiva de diferentes personajes. Sin embargo, la resolución se siente demasiado simple y optimista, recurriendo a un deus ex machina que en ningún momento se anticipa.

En este filme coral, ninguno de los actores destaca especialmente, aunque podría decirse que los dos personajes secundarios encargados de ejercer de alivio cómico (el psicólogo y el nuevo alumno de la mujer) no brillan por la calidad de sus interpretaciones. El talento de Isla Fisher (“Ahora me ves”) y Greg Kinnear (“Pequeña Miss Sunshine”) queda algo desaprovechado, en favor de dar protagonismo a los jóvenes del reparto, ya que aunque los padres son el catalizador de la trama, la historia se centra principalmente en los hijos. En resumen, se trata de una película familiar agradable, con un buen ritmo narrativo que en ningún momento aburre, pero que se resuelve de una forma facilona y sensiblera. Mi puntuación: 6 sobre 10. “Un regalo para papá y mamá” se estrena hoy, viernes 30 de agosto, en las salas españolas.

Crítica de Héctor Izquierdo.

EL PRIMER DÍA DE MI VIDA

 

Un hombre misterioso (Toni Servillo) se presenta a cuatro personas que han tocado fondo y quieren acabar con todo para ofrecerles un trato: una semana para que vuelvan a enamorarse de la vida. Su intención es ofrecer la oportunidad de hacerles ver cómo sería el mundo sin ellos y ayudarlos a encontrar un nuevo sentido a sus vidas.

Paolo Genovese (“Perfectos desconocidos”, “There is no place like home” o “Una historia de amor italiana”) nos regala aquí su particular “Cuento de Navidad”, a través de un ángel redentor de las navidades futuras, o al menos, de la semana futura. Los sujetos sufrientes de esta buscada transformación no lo son en esta ocasión por su crueldad o perversidad, sino por su hastío. Cuatro personas que no encuentran motivos para continuar: una policía que perdió a su hija, un motivador profesional en crisis existencial, un niño azotado por el bulling y una exatleta postrada en silla de ruedas. El ángel en particular está interpretado por el incombustible Toni Servillo (“La gran belleza”), que tratará por medios emocionales, pero también mágicos de que estas personas recuperen su interés por la vida. En el proceso, el guionista usa ciertas herramientas de trampantojo, ya que el deux ex machina planea en vuelo raso para mostrarnos que en un futuro alguna de estas personas iba a tener un hijo, o iba a encontrar el amor, o iba a descubrir cosas insospechadas.

En este delicado equilibrio, el relato adaptado de una novela del mismo director es un canto a la vida válido y amable, pero algo tramposo. Cuando una persona llega a este punto, precisamente el gran enemigo es que es capaz de ver más allá de su presente y de su pasado, la falta de perspectivas, de escape mental a su oscura realidad. En este uso de mostrar el futuro a pinceladas, en ponerles en un contexto mágico que no es representativo de la vida media de una persona, coquetea con la sensiblería en algunos momentos, pero en general se mantiene en un punto en el que prefiere hablar de los personajes para desarrollarlos. La película funciona mejor cuando esa catarsis de nuestros protagonistas se va forjando a través del nexo que se produce entre ellos, en las conversaciones, las dudas, las añoranzas, la complicidad entre individuos que han caído en el mismo pozo sin fondo. Mi puntuación: 6 sobre 10. “El primer día de mi vida” se estrena este jueves 6 de julio en las salas españolas.

 

Crítica de: Héctor Izquierdo.

SUPER MARIO BROS

Mario y Luigi son dos hermanos de Brooklyn que tratan de lanzar su propio negocio como fontaneros, a pesar de las críticas de su familia y sus amigos que no tienen fe en ellos. Al intentar arreglar un incidente en una tubería subterránea que amenaza con inundar por completo la ciudad, Mario y Luigi caen en un misteriosa tubería que les atrapa y les manda a un mundo mágico. En el viaje, los hermanos se separan. Mario, con la ayuda de Toad y la princesa Peach se embarcará en una arriesgada misión para liberar a su hermano de las garras del malvado Bowser y ayudar al Reino Champiñón a librarse de su enemigo para siempre.

Aaron Horvath y Michael Jelenic dirigen una amable adaptación al clásico videojuego bajo el guion de Matthew Fogel (Minions: El origen de Gru). Un nostálgico homenaje a una saga en la que no faltan referencias a cada uno de los videojuegos desde el lanzamiento del primero en los años 80. Como anécdota, comentar que Super Mario Bros es el juego que inició la franquicia de Mario Bros. Sin embargo, en el diseño original del juego, Mario iba a tener la capacidad de montar un cohete y volar. Esta idea fue descartada antes del lanzamiento final, pero se puede encontrar evidencia de ello en algunos materiales promocionales tempranos y en algunos dibujos conceptuales.

Su sencillo argumento sirve a la película de excusa para avanzar por diferentes escenarios, o plataformas, y ver cómo los protagonistas de la historia se van desenvolviendo en las distintas situaciones que se les presentan. En el camino, se nos muestra a un obrero persistente que logrará su objetivo a base de no rendirse y esforzarse una y otra vez, una princesa que liderará heroicamente a sus entrañables vasallos hasta la victoria, gracias a la alianza forjada con el reino de los Kong, y el poder de la amistad, o en este caso de la hermandad, ya que nada malo podrá pasarles a los hermanos mientras se tengan el uno al otro. En definitiva, un simpático cuento que disfrutarán tanto los más pequeños como aquellos a los que esta película nos devuelve a nuestra infancia durante una hora y media. Mi puntuación: 7 sobre 10. Super Mario Bros: La película se estrenó en cartelera en España el 5 de abril.

Crítica de Álvaro García.

YA ERA HORA

Dante (Edoardo Leo) besa accidentalmente a Alice (Barbara Ronchi), que tiene el mismo vestido que su novia. Desde ese momento, se comprometen, se van a vivir a la misma casa y son muy felices. Pero Dante no puede administrar su tiempo; de hecho, siempre llega tarde y le cuesta conciliar trabajo y tiempo libre. Es su 40 cumpleaños. Alice le organiza una fiesta sorpresa donde él, como siempre, llega en el último momento. Cuando se despierta a la mañana siguiente, no es un día como cualquier otro. Ya ha pasado un año y Dante no recuerda lo que hizo. A partir de ese momento, el tiempo pasa muy rápido para él y no es capaz de detenerlo.

Alessandro Aronadio, bajo guion propio compartido con Renato Sannio, nos regala aquí una metáfora vital hecha literalidad en forma de comedia romántica. La lectura de la película es obvia pero no por ello deja de ser amable y curiosa. Es popular el dicho que a partir de cierta edad prácticamente el tiempo vuela y que, cuando te quieres dar cuenta, los años han pasado sin que hayas podido controlarlo. La explicación psicológica clásica es que los estímulos dejan de ser tan novedosos para el individuo. Tu vida se vuelve mucho más una serie de rutinas. El cerebro, económico por precepto natural, elimina por norma estas rutinas, creando la sensación de que cada vez pasan menos cosas y por ende el tiempo se percibe más rápido y abrupto. Esta premisa es la que aprovecha el director para crear una historia de bucles temporales; desde los 40 años, el protagonista despierta al día siguiente de su cumpleaños con la sorpresa de que ha pasado un año del que no se acuerda nada y es su siguiente cumpleaños. El argumento recuerda bastante a otra comedia amable, en este caso protagonizada por Adam Sandler, Click (2006). En ella, el personaje de Sandler, un arquitecto también muy ocupado, descubre un mando de televisión mágico con el que puede silenciar sus conversaciones, cambiar el idioma o acelerar el tiempo cuando no le interesa lo que está viviendo. Poco a poco, se vuelve adicto a dicho dispositivo y provoca que el mando se ponga en modo automático, saltando muchas de sus escenas vitales sin que él lo pueda detener.

Este mencionado  artefacto narrativo fantástico permite al director hacer un ejercicio curioso de quemar naves a velocidad vertiginosa. Algo que normalmente se plantean los creadores de las series de televisión, queda aquí al alcance de la mano del director. ¿Si tengo varios giros pensados para una serie? ¿Cómo debo dosificarlos? ¿Debo quemar todas las naves en la primera temporada por si no renuevan? Esto es exactamente lo que le permite al director la excusa narrativa, ya que al saltar un año cada vez que el protagonista cumple años, le permite explorar muchos acontecimientos de su protagonista y de sus relaciones que de otra manera sería complicado de condensar en solo 105 minutos. Esa es la parte buena. La parte mala es que, sin hacer demasiados spoilers, los conflictos a veces se tocan de puntillas y la mecánica se vuelve repetitiva. La película se convierte  muy pronto en un bucle de sorpresas livianas, para el protagonista y para el espectador, que parecen no llevar a ninguna sitio muy interesante ni muy original. Solamente nos preguntamos qué tiene que hacer para romper el hechizo y la respuesta, refrendada por el final, es bastante obvia, por lo que no acaba de justificar esos sesenta minutos previos de bucle repetitivo. Mi puntuación: 6 sobre 10. "Ya era hora" se estrenó el 16 de marzo en Netflix España.

Crítica de Héctor Izquierdo.

NOÉ

En un mundo asolado por los pecados humanos, Noé (Russell Crowe), un hombre pacífico que sólo desea vivir tranquilo con su familia, recibe una misión divina: construir un Arca para salvar a la creación del inminente diluvio. Todo comienza cuando, cada noche, Noé tiene el mismo sueño: las visiones de muerte provocada por el agua, seguidas de nueva vida en la Tierra. 

El director Darren Aronofsky (“El cisne negro”) sorprende aquí a profanos y entendidos con su nuevo proyecto, ni más ni menos que la adaptación de la leyenda bíblica, o más bien del personaje por todos conocidos de Noé, en una historia clásica del viaje del héroe que tiene que luchar contra su destino, contra su devenir, transformando en este ejercicio a un Dios más cristiano en el Dios sinaítico, e incluso convirtiéndolo en una suerte de Dios griego que ejerce como creador y dador de vida, cruel y despiadado, al que es obligatorio obedecer y no poner a prueba. Noé, interpretado por Russell Crowe convincentemente en cuanto al personaje, no a la leyenda, se echa esta misión a sus espaldas, sin buscarle explicaciones y dando la espalda incluso a sus semejantes. Vamos, lo que es una fe ciega de toda la vida. La historia como tal, animado por grandes escenas entre lluvias torrenciales, criaturas existentes y que parten de la imaginación del director, cuenta eso. 

En el camino, se intentan converger unos cuantos conflictos más que engloban la traición, y también la puesta a prueba de la fe, en un aspecto que es más propio de Abraham que del propio Noé, pero todo sea por hacer una revisión de la leyenda entretenida y que no se quede en un mero contar lo que ya conocemos, o lo que ya creemos conocer. Dicho ejercicio, no contentará ni a acérrimos religiosos pero tampoco a asépticos ateos, sino que solo será disfrutada por el que se tome la película como una cinta más de aventuras épicas que parte de una versión libre de un personaje, bíblico, pero personaje literario al fin y al cabo. Al protagonista, se le unen otros nombres archiconocidos como el de Jennifer Connelly interpretando a la esposa de este, Emma Watson como el futuro fértil de la humanidad, Ray Winstone como uno de los “antagonistas” –en el que podríamos citar al mismo Dios, aunque no aparezca-, y a Anthony Hopkins dando vida a Matusalén. Mi puntuación: 6 sobre 10. “Noé” se estrena hoy viernes 4 de abril en las salas de toda España.

LA BELLA Y LA BESTIA

Nueva adaptación de la historia de "La bella y la bestia". En palabras de su director, "Aunque seré fiel a la narración de este inmortal cuento de hadas, manteniendo el tiempo y los personajes como en el original, sorprenderé al público creando un universo completamente nuevo jamás experimentado antes, con imágenes de una calidad sin precedentes."

Adaptación bastante común del cuento de "La bella y la bestia", visualmente entretenida pero sin un alma reinvindicativa o inspiradora que justifique esta nueva apuesta por una historia que todos conocemos. Cristopher Gans, el director de origen francés de la cinta, tiene buen pulso para crear el punto de tensión que se establece entre la presa y el apresador, entre la bella y la bestia, que luego girará sus tornas para volverse del contrario en cierto modo. Sin embargo, en este relato no está muy bien sembrado este cambio de emoción del personaje de Léa Seydoux respecto al de Vincent Cassel, ese dejar de temerle para empezar a amarle y sentir compasión hacia él, sino que parece producirse por artificios preconcebidos, ya que todo el mundo conoce el devenir de la historia, y el guionista no se ha preocupado en mostrarnos esta catársis, por lo que el relato se cae en picado. Por el contrario, sí está conseguido esa angustia de thriller -a pesar del entorno fantástico y animado en el que nos encontramos- del rehén obligado a permanecer en cautiverio contra su voluntad, por lo que al final la película solo triunfa como particular retrato de un síndrome de estocolmo de manual.

Los actores protagonistas elegidos por el director son por un lado el conocidísimo Vincent Cassel ("Cisne negro", "Ocean´s twelve "), uno de los grandes atractivos del producto para el gran público, y la ascendente Léa Seydoux ("La vida de Adéle"), que mantiene a duras penas ese punto de dulzura inocente que ni la permite revelarse del todo contra su captor y que luego la llevará progresivamente a apiadarse de esta criatura. Como curiosidad nos encontramos al español Eduardo Noriega en el papel de villano de la cinta, del que sale sorprendentemente bastante bien parado, ya que se mantiene en la línea de lo caraturizado pero sin llegar a la parodia, muy acorde con el tono mágico de cuento que se pretende dar a la historia. Este apartado estético, por tanto, es de lo poco que puede resultar innovador en esta vuelta al cuento, que nos vuelve a hablar tal vez de una sequía de ideas originales tanto en Hollywood como en el cine europeo. Mi puntuación: 5,5 sobre 10. "La bella y la bestia" se estrena hoy viernes en las salas españolas.

HÉRCULES: EL ORIGEN DE LA LEYENDA

En un intento desesperado por liberar a su pueblo de la opresión de su vengativo esposo, la reina Alcmena dirige sus súplicas hacia los dioses y fruto de sus plegarias nace Hércules, engendrado por Zeus, padre de los dioses y los hombres. Ajeno a su verdadera identidad, Hércules sufre el desprecio del rey Anfitrión, quien favorece siempre a su hijo legítimo Ificles.

Con una estética muy similar a la de la película “300”, Renny Harlin hace un retrato de los primeros pasos del personaje de Hércules, desde su nacimiento hasta el conato de venganza contra su padrastro, creando una historia muy shakespeariana, que me recuerda más al mito de Ulises unido con una trama al más puro estilo “Gladiator” que al de Hércules propiamente dicho, aunque igual esto me viene por prejuicios traídos de la serie del mismo nombre protagonizada por Kevin Sorbo. En el apartado de casting, la película está ausente de caras conocidas para el gran público: la única excepción la tenemos en el musculado protagonista interpretado por Kellan Lutz, intérprete de la saga “Crepúsculo”, que hace poco más que mostrar que tiene el físico y los ojos para que decenas de adolescentes se vean atraídas por él nuevamente, pero que poco tiene que decir sobre sus aptitudes interpretativas.

Tampoco está a la altura la aparente némesis del personaje de Hércules, el interpretado por Liam Garrigan, que al mismo tiempo es su hermanastro en este entramado tan “Romeo y Julieta” que se nos propone en la revisión del héroe. Los efectos especiales, que no abundan excesivamente en la película pero sí que están en secuencias clave, son bastante aceptables, y el juego en montaje mezclando la cámara superlenta con velocidad real ficcionada está bien dispuesto. Con todo esto, la historia tiene un aceptable sentido del ritmo y las suficientes escenas de acción bien rodadas como para que merezca la pena pasar hora y media de nuestro tiempo, aunque no diga nada nuevo del personaje ni abra puertas distintas a este género. Mi puntuación: 5,5 sobre 10. “Hércules: el origen de la leyenda” se estrena este viernes 24 de enero en las salas españolas.

LA CABAÑA EN EL BOSQUE

Cinco adolescentes se preparan para pasar el fin de semana en una remota cabaña, situada en un bosque, sin medios de comunicación con el exterior. En el sótano encuentran una extraña colección de reliquias y, entre ellas, un diario que habla de la antigua familia de psicópatas que ocupó la casa. Lo que no sospechan es que están siendo observados y que su vida corre peligro.

“La cabaña en el bosque”, estrenada hace bastantes meses ya en EEUU, por fin llega a nuestras pantallas como un soplo de aire fresco al manoseado y vilipendiado género del terror adolescente, una vuelta de tuerca necesaria a los códigos que lo frecuentan, algo que yo como espectador es lo que les pido a los géneros que están ya tan incursionados. Así pues, la apuesta que hace Drew Goddard es como una suerte de reflexión final sobre el género, que sabe sacarle partido en el apartado de comedia y de metalenguaje. La película tiene la dosis justa de sustos, de gore contenido, de humor basado prácticamente en la parodia y de frases prototípicas que tampoco se esfuerzan en ser demasiado rompedoras. En este jugar con los estereotipos del género del terror adolescente donde se realiza un viaje y alguien/algo acaba eliminándolos uno a uno, y desde que se comenzó a sacar partido de sus propias carencias en la saga “Scream”, vuelve a plantear el quinteto clásico para deleite del espectador: la rubia, el empollón, el deportista, el tonto y la virgen.

Uno de estos protagonistas, el atractivo deportista concretamente, está interpretado por el ahora muy de moda Chris Hemsworth (“Thor” o “Rush”), pero también se me hace necesario resaltar el curioso “fool” –el tonto- conseguido en la este quinteto, interpretado por el más desconocido Fran Kranz, que sin sobreactuar, tiene de vez en cuando una frase pertinente que saca la sonrisa al espectador. A todos estos atributos, hay que añadirle la introducción de un elemento extra al argumento que no citaré para no hacer spoilers; solamente decir que en este elemento están muy relacionados los personajes interpretados por Richard Jenkins (“Six feet under”) y Bradley Whitford (el falso John El Rojo de “The Mentalist”), algunos de los míticos de la autoparodia y de cierto sentido del humor que se respira en esta cinta. Mi puntuación: 7,5 sobre 10. “La cabaña en el bosque” se estrena el viernes 8 de noviembre en las salas de toda España.

INSENSIBLES

Tras un fatídico accidente de coche, un brillante neurocirujano (Álex Brendemühl) es sometido a una serie de pruebas que le revelan que tiene cáncer y que necesita un trasplante de médula. Para sobrevivir, tendrá que pedir ayuda a sus padres. La respuesta de sus progenitores le revelará una historia oculta en un pasado de silencio y de misterio. En su búsqueda, el protagonista descubre que, durante la Guerra Civil, un grupo de niños nació con un extraño y desconocido mal: eran insensibles al dolor físico. 

He de confesar que siento predilección por el género de terror que se sustenta en un elemento real y al que podemos categorizar como posible. Por eso me gustan tanto películas como pueden ser “La cara oculta” o “Secuestrados”. No soy muy fan del terror sobrenatural o de ciencias paranormales. Por ello, esta es una película que he disfrutado mucho, al margen de que otra vez se vuelva a bucear en el tema de la Guerra Civil, tan exprimido por las generaciones de cineastas nacionales, pero giros de tuerca como el de esta trama yo creo que pueden suponer una excepción aceptable siempre y cuando no se vuelva algo tan habitual como lo que nos tienen acostumbrados. Esta es una historia cruda, terrible y espeluznante, de una enfermedad real en la que los que la sufren son incapaces de sentir dolor en términos físicos, por lo que son un peligro tanto para el resto de la gente como para sí mismos. En estos términos, tenemos a un grupo de chiquillos en la Guerra Civil que son internados en un centro aislándolos totalmente de la sociedad, al mismo tiempo que en paralelo vemos la investigación de un hombre (Álex Brendemühl) que necesita encontrar a sus padres para que una donación de médula le de una posibilidad de salvarle la vida, y donde varias tramas convergirán.

En esta apuesta, encontramos que sorprendentemente uno de los puntos flacos del film son algunas interpretaciones: llanas (como la de Álex Brendemühl), alguna realmente floja (la del doctor de la institución), y otra que sorprendentemente se acomoda en cuanto a la dicción del personaje aunque su performance sea notable (Juan Diego). El reparto lo completan nombres conocidos como el de Bea Segura, Félix Gómez o Irene Montalá. Por otro lado, es sugerente ver tratar con maestría la evolución de uno de los chicos con tal enfermedad, revelándonos una historia terrible y fascinante al mismo tiempo en el que el joven empieza a vincular el dolor asociado a los hombres, y el “placer” (o lo contrario al dolor) con las mujeres, que es lo que condicionará todas las decisiones que empiece a tomar a partir de ese momento, por lo cual al final no se le puede culpar por el hombre o el ser en el que se ha convertido, y que tan atroces comportamientos tiene. Con una realización y unos tonos sombríos, la película y los personajes se encuentran siempre entre penumbras, entre las sombras de unas vidas que nunca verán completamente la luz, ya que para ellos la Guerra Civil no fue ni siquiera lo peor de esa etapa. Mi puntuación: 7 sobre 10. “Insensibles” se estrena el 14 de junio en las pantallas españolas.